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XXV Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de Almería
Entre conmemoraciones y
adaptaciones al japonés
 Desde el más puro amor a la causa, las Jornadas de Almería han vivido momentos emocionantes al reconocerse a toda la organización, en la figura de su fundador Antonio Serrano, la gran labor realizada a lo largo de estos veinticinco años en donde con la pasión del amante, han colocado este evento dentro del calendario mundial de los especialistas en el Teatro del Siglo de Oro. Homenajes espontáneos, sentidos, emotivos, junto a otros trabajados para poder plasmarse en una pequeña representación teatral o de danza, inundando el ambiente de reconocimiento y admiración que compartimos.
Una sucesión de gestos para dejar constancia de la labor realizada en estos años y que parece va a tener continuidad ya que en estos días se anunció para el año próximo la celebración de un Congreso en Almería, dentro de las propias Jornadas, con el auspicio de la Junta de Andalucía y que tenga como motivo de análisis el teatro andaluz en el XVI.
En su artículo de este número, Ricard Salvat deja constancia de algunos de los asuntos tratados en las conferencias y coloquios que tuvieron lugar, por lo que nos centraremos en la parte escénica, en las obras que pudimos presenciar.
El gato Lope
Producciones Micomicón estrenó en el Teatro Apolo de Almería Basta que me escuchen las estrellas, escrita por Laila Ripolll y Mariano Llorente, a partir de algunos pasajes de la suculenta vida del madrileño Lope de Vega. Su biografía cuenta que fue dramaturgo, poeta, soldado, amante o sacerdote, y para realizar esta obra han utilizado algunas de sus cartas o poemas y, sobre todo, sus innumerables obras de teatro, que van perfilando un retrato en hueco grabado, que en la representación presentada arrolló en sus cuarenta primeros minutos, por su fuerza, su cercanía, incluso su acertado tono populista, configurando escénicamente, un mundo muy sugestivo, pero que en su desarrollo se fue difuminando en una excesiva elongación de algunas escenas y quizás por perder el tono festivo.
Con dirección de la propia Laila Ripoll, el reparto juega a hacer teatro, con entidad, categoría y cuidando el texto, su dicción y el verso y sus cadencias, cuando corresponde, algo significativo en estos tiempos y que señala la dedicación al teatro clásico de esta compañía.
La Compañía de Manuel Canseco presentó Casa de dos puertas mala es de guardar de Pedro Calderón de la Barca, que en su propuesta de dirección avisa de su intención de popularizar la obra, y realmente aligera bastante con su puesta en escena. Pero quizás debido al escenario donde se representó, el Auditorio Municipal Maestro Padilla, no muy propicio para el teatro de drama, o a la disposición espacial de la misma propuesta, nos pareció un trabajo que quedaba excesivamente trabado en la parte interpretativa por la búsqueda del tipo, con unos movimientos de los personajes realmente condicionadores de sus capacidades expresivas, y con unos dispositivos escenográficos que, aparentando utilidad por su movilidad, se convertían en una reiteración, sin olvidarnos de un vestuario muy efectista pero que no cumplía con uno de sus objetivos principales: distinguir a las clases sociales por su indumentaria.
Numancia japonesa
 Dado que la propia trama calderoniana ya tiene muchos equívocos y enredos, en esta función nos sentimos siempre perdidos en las referencias y nos faltó la suficiente acción escénica.
Y en esto, llegó Kei Jinguji. O dicho de otro modo, asistimos a uno de esos acontecimientos teatrales en donde, además de lo que tiene de espectáculo, de hecho teatral y de comunicación, se abren muchas vías de reflexión para poder entender las múltiples posibilidades de adaptación de un texto clásico a los escenarios de hoy. Reflexiones que nos llevan a contradicciones, al debate, desde la admiración o desde el reparo purista.
La obra que presentó la compañía KSEC ACT, con traducción y adaptación al japonés de Yoichi Tayiri, es una de las grandes tragedias del teatro español: Numancia de Miguel de Cervantes, y quizás, lo primero que debamos señalar es que su primer gran logro es conseguir una obra puramente japonesa, utilizando partes literales del texto cervantino, y lanzando un mensaje contemporáneo y universal. Es decir, el mayor respeto que se le puede hacer a un texto clásico.
Escuchamos a muchos de los participantes en las Jornadas expresar su admiración, quizás en términos de exageración ya que alguno aseguró que “era el mejor espectáculo que había visto en su vida”, y otro llegó a aseverar desde una mesa de debate que “contenía algunos de los momentos más impactantes de la historia del teatro”. Lo cierto es que utiliza lenguajes escénicos actuales, sobreestructuras dramáticas, que le confieren un aire de modernidad, pero lo más significativo, a nuestro entender, es que todo se realiza manteniendo una forma recitativa e interpretativa que bebe en las tradiciones japonesas, que parte de sus propias técnicas ancestrales para encaramarse en nuestros tiempos.
Las claves estéticas son impecables en cuanto a su fuerza y significación, el mensaje depurado de todo atisbo de patriotismo español, se universaliza. En cuanto al cerco, se puede entender como el padecimiento de cualquier población en momentos de conflicto bélico, entramos en su universalidad. Con la conjugación del trabajo dramatúrgico, de la puesta en escena y de las formas interpretativas, entramos en un mundo subyugante.
Carlos Gil Zamora |
