XXV Festival de Otoño de Madrid

Experiencia y calidad en la más esperada de las estaciones

Tras un leve letargo estival el panorama madrileño de las artes escénicas se alza con gran fuerza para celebrar el vigésimo quinto aniversario del Festival de Otoño. Entre el 13 de octubre y el 16 de noviembre 40 compañías desfilarán por los escenarios de los teatros de la ciudad así como por diferentes localidades de la comunidad. Esta convocatoria cuenta con un elenco plural en el que podremos encontrar artistas y creadores como Peter Brook, Rodrigo García o Krystian Lupa que destacan por la heterogeneidad y calidad de sus propuestas, y colectivos internacionales de la talla de Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz, Sankai Juku, Odin Teatret, Ex Machina/Théâtre sans frontières o Tanztheater Wuppertal Pina Bausch.

Asentándose en una extensa trayectoria, el Festival de Otoño de Madrid llega al cuarto de siglo con una propuesta a la altura de las circunstancias. Durante cinco semanas 16 espacios, distribuidos en 11 municipios de los alrededores de la ciudad, acogerán 45 espectáculos de teatro, danza, música y circo, en los que la presencia de la comunidad escénica internacional tendrá gran relevancia. En esta convocatoria podremos ver tanto artistas noveles en el panorama madrileño como veteranos dentro del festival, en un total de 167 funciones de 18 países diferentes que consolidan este festival como un referente a nivel mundial. “Cada año son más las compañías internacionales y nacionales que quieren participar y que nos solicitan ser incluidas en la programación –lo que nos permite ser muy selectivos- y cada año recibimos la visita de más programadores de otros festivales internacionales del Circuito Mundial que vienen a interesarse por lo que ofrecemos”, apunta Santiago Fisas, consejero de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, entidad que organiza este evento que tiene como director artístico a Ariel Goldenberg.
El Festival también contará con otro tipo de espacios dedicados a las artes escénicas en los que prima un componente interactivo del encuentro de artistas y creadores con el público. Asimismo, se ofrecerá un taller para actores en el Teatro de la Abadía, impartido por Marcello Magni, cofundador del Théâtre de Complicité, en el que primará la exploración de la creatividad, complicidad y comprensión con el compañero y se instalará la exposición ‘Entre arte y documento. Fotografía teatral en Berlín’ en reivindicación de la misma como un género autónomo, a modo de muestra de la diversidad de producción teatral en la ciudad alemana y sus alrededores.

Escena internacional

La compañía Théâtre-Atelier ofrece una apuesta por la consolidación y definición de la fuerza del teatro ruso contemporáneo bajo la dirección del emblemático Piotr Fomenko a través de la representación de Lobos y corderos de Alexandre Ostrovski. Con la palabra como principio teatral básico y siguiendo una línea de trabajo profundamente asentada en el método Stanislavski, el colectivo ofrece una pieza que bebe en todo momento de la cultura rusa rompiendo con el drama clásico para mostrar un híbrido entre ballet, drama y musical completamente novedoso. La trama va discurriendo entre chantajes, extorsiones y cartas falsas para reflejar un sarcástico retrato de los usos y costumbres de la nobleza provinciana de la Rusia de mediados del XIX. Mediante una dinámica de trabajo que se fundamenta en el proceso de creación teatral, Fomenko utiliza sus elevadas dotes pedagógicas desde una posición enfrentada a la progresiva comercialización del teatro para mostrar la decadencia que esconden las elites de poder y la corrupción que genera en muchos casos la lógica económica dominante.
El azar se establece como nexo entre lo anecdótico y lo trascendental en Lipsynch, producción de la compañía canadiense Ex Machina y Théâtre sans Frontières en la que la voz se vale de las tecnologías audiovisuales actuales, como sintetizadores de voz o postsincronizadores, y de las diferentes voces de los artistas para remitir a cuestiones identitarias tanto personales como históricas. La maquinaria interna, apoyada por elementos polifónicos y multimedia, precisa en este sentido trascender la corporalidad para poder manifestarse a través de la acción de profesionales de disciplinas tan aparentemente distantes como el diseño gráfico, la fotografía o el contorsionismo.
La institución cultural suiza Téâtre Vidy-Lausanne presentará tres espectáculos que forman parte de un extenso repertorio, del que cada año se ofrecen alrededor de 400 representaciones de los más diversos registros. Los objetos cobran vida en Stifters Dinge para dejar su función de abalorio o accesorio convirtiéndose en los protagonistas absolutos de una puesta en escena compuesta por Heiner Goebbels para cinco pianos sin pianistas; un espectáculo sin intérpretes; una performance sin performer. Se trata de una invitación al oído y la mirada al disfrute de la experiencia de los sentidos. La vista y el oído tienen también gran importancia en I went to the house but I di not enter, ya que son imprescindibles para comprender la historia en una pieza que prescinde por completo de la linealidad argumental. El espectáculo transcurre a modo de concierto en tres actos en los cuales se interpretan textos de Eliot, Blanchot y Beckett. Un tema con multitud de voces en un no tiempo, en un no lugar, en el que transcurre una historia imposible, un viaje que nunca se emprende, una alegoría del antihéroe. Finalmente, La seconde surprise de l’amour rememora los clásicos de Bondy y Marivaux para narrar un encuentro entre dos personas viudas unidas por el dolor, que habían jurado no volver a enamorarse ,pero acaban sucumbiendo y sumergiéndose en el terreno más oscuro de la especie humana, ese lugar donde la razón queda arrinconada por una parte irreductible y primitiva en la que las pulsiones del instinto toman las riendas. La existencia se establece entonces como la única certeza sobre la cual estos dos personajes pueden asentar su relación.

Exilio voluntario

Las mentiras en las que se sustentan las identidades nacionales son el eje en torno al que gira la obra que presentará Krystian Lupa con la compañía Teatr Dramatyczny Warszawy. Wynazywanie (Extinción) es una adaptación de la obra homónima de Thomas Bernhard, en la que se narra las experiencias de un filósofo sometido a un exilio voluntario en Roma que vuelve a su país natal al recibir la noticia de la inesperada muerte de sus padres. Este viaje de retorno le trae a la memoria recuerdos de hipocresía de salón y de un fascismo contaminante todavía latente. El espectáculo, de seis horas de duración, presentará en dos funciones esta elegía funeraria representada por 23 actores en la que saldrán a la luz los peligros que encierra el progreso y la precariedad del sistema de políticas culturales de la Polonia natal de Lupa. El director polaco también ofrecerá Factory 2 con la compañía Narodowy Stary Teatr, un montaje de casi ocho horas de duración que retrata una época, los años 70, y el mundo de los intelectuales y artistas de Nueva York que giraba alrededor de Warhol y su estudio, la Silver Factory.
Con la vocación de romper los moldes de esteticismo y la creación teatral sometida a las exigencias impuestas por el director, el colectivo belga Tg Stan propone un teatro de actor heterodoxo fundamentado en un compromiso social. Para esta convocatoria presentan dos piezas en las que siguen esta línea de trabajo. Anathema, primer texto dramático del novel escritor portugués José Luis Peixoto, se cuestiona el alcance de la capacidad humana de reacción y respuesta ante la violencia impuesta a la hora de luchar por un ideal, así como los medios que estamos dispuestos a utilizar para conseguir nuestros objetivos, mediante una conversación en torno a los horrores de la guerra. Por otro lado, The monkey trial representa el arduo combate histórico entre evolucionismo y creacionismo, mito y logos, a partir del suceso que tuvo lugar en la región estadounidense de Tennessee el 10 de julio de 1925 y que llevó a los tribunales a un joven profesor de Biología, John Scopes, que decidió mostrar a sus alumnos las teorías darwinistas que apuntan al parentesco entre el ser humano y el mono. Mediante un desarrollo argumental casi cinematográfico y un lenguaje que se sirve de la sátira, la polémica, y la comicidad de la situación para revivir este proceso, el espectáculo pone en cuestión lo estático de la política norteamericana actual en esta cuestión y su instrumentalización a la hora de transmitir valores.
La compañía Apata Teatro continúa con una apuesta firme por una concepción del teatro como vehículo de denuncia social, accesible y comprometido en su obra So happy together. Evocando la canción setentera de los americanos ‘The Turtles’, este colectivo realiza una reflexión sobre la sociedad de consumo en la que estamos inmersos, así como la mercantilización y manipulación de la información que recibimos, principalmente a través de nuestros televisores mientras consumimos productos ofrecidos por el imperialismo cultural estadounidense, para abordar a través de cuatro monólogos el conflicto que se está dando hoy en día en territorio palestino.
El travestismo en tiempos de la Alemania nazi trae a la agenda del festival una reflexión en torno a la cuestión de género personalizada en la polémica figura de Charlotte von Mahlsdorf. Yo soy mi propia mujer de Els tres SRL, dirigida por Agustín Alezzo y protagonizada por el argentino Julio Chávez. Se basa en los textos de Doug Wright, anterior personalidad de Charlotte, para transportarnos a un mundo de cabarets clandestinos, ciudades europeas en guerra, uniformes nazis y muebles decimonónicos, ajenos a la lógica de producción en masa, que ella pretende conservar porque es también un modo de mantener su identidad.

Revisar lo clásico

Batas rosas y sombrillas blancas se expanden por los pasillos de un aeropuerto cuando los técnicos descubren que, debido a una huelga, los actores se han quedado atrapados y deciden representar ellos la función con la que están de gira, el ‘Sueño de una noche de verano’. La Compagnie Irina Brook cuenta con un reparto exclusivamente masculino, que interpretará desde jóvenes irreverentes o enamoradizos hasta hadas juguetonas, para abordar de una forma novedosa y experimental el clásico shakespeariano en un trabajo conjunto con el equipo Bretigny-Sur-Orge del festival Dedans-Dehors, que se plasma en En attendant le songe (Esperando el sueño). Se trata de una pieza iconoclasta y minimalista en la que la diversión y el sentido lúdico priman en todo momento y encierra una concepción artesanal en detrimento del cuidado técnico que permanece en un segundo plano.
Las relaciones humanas disfuncionales y la represión sexual son los temas alrededor de los que se mueve La noche de la iguana, obra que presentará en el festival Tomás Gallardo Producciones bajo la dirección de María Ruiz. El argumento narra la historia de un sacerdote anglicano retirado y alcohólico que sufre una severa crisis emocional a partir de la cual decide retirarse a México, donde desempeñará el oficio de guía turístico de profesoras estadounidenses, estableciendo relaciones que marcarán el resto de su futuro. Al borde de otra crisis nerviosa se refugia en el colorido hotel de una vieja amiga con la que mantiene una buena relación, donde conocerá una mujer rígida y anticuada que viaja siempre en compañía de su abuelo, un inspirado poeta de casi cien años.
Humor y asesinatos se concentran en la historia de Benjamin Barker, al que da vida Joan Crosas, un barbero injustamente encarcelado y separado de su mujer e hija que regresa a Londres transcurridos 15 años con la única obsesión de ejecutar su venganza tomando como cómplice a Mrs. Lovett, interpretada en esta ocasión por Vicky Peña. Mario Gas dirige esta producción del Teatro Español que se vuelca de nuevo en el género musical con la reposición de Sweeney Todd. El barbero diabólico de la calle Fleet, adaptación de la obra de Stephen Sondheim que ya había puesto en escena en los años noventa. En la otra cara de la moneda, la indiferencia marca la relación de una madre, un padre y un hijo en La festa, espectáculo que acerca la Compagnia Scimone Sframeli, que presenta el microcosmos familiar concentrado en una cocina en el 30 aniversario del matrimonio. Los diálogos breves se convierten en una especie de interrogatorio al ritmo que el clímax de la pieza va alcanzando su culmen.

Sentir el movimiento

En el terreno de la danza, Pina Bausch continúa atravesando las fronteras con el teatro en contribución con una nueva concepción de estas disciplinas, con la compañía incondicional del colectivo alemán Tanztheater Wuppertal. La vigencia del agua como elemento fundamental en fusión con una corporalidad desbordante, puede apreciarse en cada instante de Vollmond (Luna llena), un espectáculo de gran impacto visual en el que abandona un poco la oscura senda del desgarro para mostrar una mirada acuática más cristalina al son de ritmos gitanos procedentes de los Balcanes. El movimiento concebido como vehículo de transgresión en un escenario monumental en el que el agua se va presentando lúdicamente en sus más diversas formas mientras una inmensa piedra se derrumba en el espacio.
La compañía Man Drake acerca a esta convocatoria Idiotas, una composición surrealista con toques beckettianos de danza y teatro en la que pone en el punto de mira la idiotez tanto de aquellos que se ponen en escena como aquellos que contemplan inmóviles. Toméo Verges dirige esta obra en la que la razón sufre un grave traspiés, reflejando cómo la confianza nos ciega hasta el punto de tropezar una y otra vez en la misma piedra. Por otra parte, la Compagnie Object Direct presenta L’homme assis dans le couloir, un espectáculo de danza, basado en un texto de Marguerite Duras, que transcurre bajo el impacto de una luz blanca quemada en el que el erotismo y el deseo guían las acciones diseñadas por la coreógrafa y bailarina Razerka Ben Jadia-Lavant.
Con altas dosis de eclecticismo y rayando la anarquía Les Ballets C de la B acercan desde la Bélgica flamenca Pitié!, una transposición física de sentimientos imposibles de contener y el intento de trascender la dimensión individual. Esta pieza, coreografiada por Alain Platel y basada en aria ‘La pasión según San Mateo’ de Bach, es interpretada de una forma absolutamente novedosa por diez bailarines, una soprano, una mezzosoprano y un contratenor. La compañía británica Hofesh Shechter Company acerca a este festival dos obras de creación propia que se sustentan en un lenguaje corporal diferenciado. En In your room diez bailarines presentan mediante una precipitada dinámica un conglomerado en el que la excedencia de comunicación y la ausencia de la misma desvelan los lados más oscuros de una sociedad amenazadoramente alienante a la vez que sorprendentemente familiar. Se trata de una obra con vocación provocativa, política y profundamente personal en la que se producen encuentros complicados y emotivos que revelan impulsos cambiantes, ansias de descontrol y peligros ante la vulnerabilidad. Con Uprising, siete hombres emergen de las sombras para bombardear el escenario con una energía desbordante, enlazando y boxeando, construyendo y desintegrándose movidos por un salvaje instinto de esperanza que sobrepasa sus propios límites alcanzando el terreno de la desesperación.

Diversidad de propuestas

El nuevo circo también tiene su lugar en esta convocatoria, desde trapecistas o contorsionistas hasta payasos u hombres forzudos procedentes del Circo Gran Fele conducen con A a la memoria, a épocas o lugares lejanos y a historias que esconden leyendas y tradiciones de la cultura valenciana. Se trata de un espectáculo con identidad propia donde todo tiene sentido, que cada número exprese una idea, una emoción, un sentimiento en consonancia con una idea global enfocada desde la más pura técnica circense a la sonrisa conseguida por un payaso, un espectáculo que no sólo se vea y escuche sino que también se olfatee, se toque y se saboree. Asimismo podremos ver durante el mes de noviembre los espectáculos de acrobacia y funambulismo Smaller, poorer, cheaper de Acrobat y Le fil sous la neige de Les Colporteurs.
En el campo teatral también podremos ver en el segundo mes en el que se desarrolla esta convocatoria piezas de gran calidad escénica como Warum Warum (Por qué Por qué) de Peter Brook, una reflexión en clave de metateatro o Versus de Rodrigo García, una obra en la que la independencia será el tema fundamental remitiendo desde el historicismo de las guerras pasadas hasta los conflictos más actuales, tanto internos como exógenos. Die Zofen (Las criadas) de Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz, Cahier d´un retour au pays natal de La Compagnie de la Comédie Noire, o El perseguidor de Barcelona ad libitum son otras de las propuestas que podremos encontrar en el festival. Dentro de la oferta de danza la organización ofrece desde clásicos como Swan Lake de Les Ballets Trockadero de Monte Carlo hasta la precisión de la danza butoh japonesa en Hibiki de Sankai Juku o H2 de la compañía Grupo de Rúa, una composición de hip hop que va más allá de las figuras emblemáticas de las danzas callejeras.

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