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Les Translatines en Baiona y Biarritz
Ligera degustación de lo que se cuece en Baiona
 El último fin de semana de octubre comienza la primera “microedición” del festival Les Translatines, organizado por la compañía Théâtre des Chimères, que pretende hacer de puente entre la próxima convocatoria y la que tuvo lugar el pasado año y hacer memoria, complacer a los espectadores y ofrecer un adelanto que despierte curiosidad y refuerce la concurrencia. Por motivos estrictamente económicos, este evento pasa a convertirse en una propuesta bienal en la que se ofrecen espectáculos teatrales procedentes de la península ibérica, el Estado francés y diferentes puntos latinoamericanos, dentro de una apuesta en la que el intercambio cultural se establece como punto de partida y encuentro entre los diferentes colectivos y el público.
El Teatrl de Baiona, Les Découvertes en Biarritz, Les ecuries de Baroja en Angelu y la Salle P. V.-Couturier en Bokale, son los espacios que acogerán esta ligera degustación que tendrá lugar entre el 23 y el 25 de octubre. Además de las actuaciones previstas, la organización ofrece para la inauguración del festival un encuentro-lectura con Florence Delay, miembro de l'Académie Française, en torno a José Bergamín, figura moral e intelectual española, en compañía de Serge Airoldi, escritor y periodista. Continuando con la dinámica de esta actividad tradicional dentro de la programación del festival, el día 24 tendrá lugar, una lectura-espectáculo en el marco de una iniciativa de unión y aprendizaje de ambas disciplinas coordinada por Guy Labadens, en la que los espectadores podrán descubrir e imaginar personalmente la puesta en escena. En esta jornada se servirán los platos fuertes de esta degustación, así como se ofrecerán bocados de los contenidos que se prevén para 2009. El director artístico del festival, Jean-Marie Broucaret, apunta sobre la posibilidad de dedicar un foco de atención especial sobre la producción teatral argentina, que contará entre otros aspectos multidisciplinares con una sección dedicada al creador Eduardo Pavlovski, referente para las nuevas generaciones, en la que se dramatizará el texto Potestad seguido de una charla que abordará “la historia escénica dando claves para entender la relación entre teatro y política resaltando la sensibilidad cultural en la que se sitúa el teatro en este país”, afirma el propio Broucaret.
Ese mismo día se estrenará de forma íntegra Lulú, una creación de la joven actriz y dramaturga chilena Ana Harcha Cortés, de la mano de la compañía Hecho en casa con la colaboración de Théâtre des Chimères. Ésta se desarrolla a través de la visión de un único personaje que mantiene un monólogo consigo misma y con el público al que hace partícipe de sus pensamientos y extravagancias. La pieza transcurre en un pequeño espacio íntimo, delimitado por el círculo que forman los espectadores, en el que la actriz, rodeada de utensilios de cocina, prepara suculentos platos mientras va narrando su historia y, posiblemente, alguna de las recetas esté tomada de las Notas de Cocina de uno de los directores con los que se formó, Rodrigo García. La pieza ataca el individualismo feroz en el que se está sumergiendo la sociedad actual, una sociedad cada vez más condenada a la soledad ante la angustia que producen unas relaciones humanas cada vez más distantes y aisladas, pero también propone una respuesta ante este ataque asentada en una especie de locura dinámica. Tras pasarse toda la noche cocinando Lulú amanece rodeada de platos que no podrá comerse ella sola, y ante esto, por fin, reacciona “Y lo que realmente quiero saber es: ¿están mejorando las cosas o se están poniendo peor? Podemos empezar todo de nuevo? Alto. Pausa. Estamos grabando. Hoy es ese tipo de día en el que algo tiene que pasar”, reflexiona la autora en un pasaje del texto.
La Comédie Française presenta una adaptación realizada por Vicente Pradal del clásico lorquiano Yerma, un drama poético de una mujer que es incapaz de huir de su destino y vive aplastada por el peso de la tradición en una Andalucía donde el peso de la tradición traduce y trasciende los dolores del alma. La pieza, que se encuentra en el núcleo de la trilogía formada por Bodas de Sangre y La casa de Bernarda Alba, representa la dicotomía entre el instinto y la represión, la liberación y opresión autoinflingidas y socialmente impuestas que resuenan a través de un llanto oscuro y violento en un vientre vacío y seco encerrado en un cuerpo estéril. Pradal, hijo de emigrantes españoles exiliados tras el estallido de la Guerra Civil, conserva estas raíces para retratar una sociedad arcaica y represiva comprometido, al igual que Lorca, con un contexto sociopolítico estrechamente vinculado a las minorías oprimidas en el que el acceso de la mujer a la cultura es vetado por completo.
Actualidad permanente
Partiendo de esta conexión Pradal utiliza este texto para abordar la permanencia actual de la presión y represión ejercida por la comunidad en el microcosmos popular, relacionándolo con la experiencia vital del escritor andaluz. “Yerma es un personaje incandescente, de una gran modernidad. La pieza es sin duda aquella en la Lorca ha puesto más de si mismo: Yerma es Federico. Él se ha inspirado en su propia familia, en sus propias dualidades, sus dificultades de amar, su imposibilidad de enfrentarse a si mismo, este es el motor de su pieza. Hablar, como hace Lorca, de la esterilidad en la pareja, era impensable. Esta dramática ‘falta’ conduce a Yerma a una psicosis criminal”, afirma Pradal. En esta tragedia carnal y sombría, se alternan diálogos y poemas, conservados en el lenguaje original para recrearse en la musicalidad y voluptuosidad del mismo explorando la parte más íntima de cada personaje al son del piano, instrumento lorquiano por excelencia. El papel de los actores se entrelaza con una puesta en escena en la que dos músicos y un cantante van recreando la atmósfera de esta ruda historia que discurre en un espacio sombrío y austero regido por las leyes de la interpretación y el sentimiento del sonido en la que los diferentes lenguajes funcionan como complemento del producto, alzándose en un ritual pagano, una danza entre el arquetipo del mal y la feminidad. En un principio, no se sabía cómo acogería el público francés una obra con una base flamenca tan marcada sin caer en lo anecdótico ni en el folclorismo gratuito, pero Broucaret apunta que si esta fue bien acogida en su estreno el pasado año en París fue fundamentalmente debido a su autenticidad, ya que afirma que “es la primera vez que una compañía francesa recoge en si misma una estética andaluza creíble y no convencional”.
Amamaren memoria, una producción de Théâtre des Chimères y Pok Produkzioak, se presentará en Angelu para los escolares completando de este modo la propuesta escénica de esta ‘micro-edición’. Se trata de una versión en euskera del texto Mamie Mémoire de Hervé Jaouen, en la que se mantiene una apología manifiesta de las relaciones intergeneracionales, el cuidado de los mayores y la defensa de la memoria, tanto a nivel personal como histórico. Durante poco más de una hora una familia se volcará en recuperar los recuerdos perdidos de la abuela, enferma de Alzheimer, estimulando la memoria de la misma mediante narraciones e interpretaciones que la ayuden a revivir hechos pasados ejercitando así sus capacidades retentivas. El esfuerzo que tienen que realizar para conseguir paliar la enfermedad, rememorando viejos tiempos y ahondando en el pasado familiar, ayuda a todos los personajes a reconocerse a sí mismos dentro de un contexto más global en confrontación con los pasajes encerrados en la retina de la abuela, apuntando también algunas posibles soluciones para convivir con esta afección, siempre desde un toque cómico lleno de vitalismo que nos da las claves para entender el presente aprendiendo del pasado.
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