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Mié, Jul

DILE A MI HIJA QUE ME FUI DE VIAJE.

Teatro Galileo.

Autora: Denise Chalem.
Traducción: Lourdes Ortiz.
Director: Jesús Salgado.
Intérpretes: María José Goyanes, Marta Belaustegui y Patricia Sanz.

HAY UNA PRISIÓN MÁS ALLÁ DE LAS REJAS...

Dos mujeres inician el viaje más importante de su vida, un viaje hacia sí mismas, un viaje hacia su humanidad, un viaje para el que sobran las máscaras, las muletas, las excusas que les ayudan a sobrevivir en un mundo que continúa amaneciendo más allá de unas rejas, más allá de las normas arbitrarias de un sistema penitenciario que no reinserta, más allá de la desigualdad que subsiste de una forma más hiriente en las palabras de unas leyes incumplidas por quien continúa viviendo fuera y de unas leyes por las que ha de pagar quien también las paga fuera... Dominique (María José Goyanes) y Carolina (Marta Belaustegui) se encuentran en el único lugar, quizá, donde sus existencias podrían converger. Ambas terminan en la cárcel con la marca indiscutible de un cooperador necesario, el hombre. El hombre, personaje omnipresente en toda la obra, demasiado visible para no surgir tras las paredes de una celda común, demasiado crecido para contemplar la libertad en dos mujeres que se descubren iguales en la inmensa selva de los sentimientos...
“Dile a mi hija que me fui de viaje” es un trayecto emprendido a través de las vías de la humanidad, a través de la valentía para quitarnos de encima los lastres que nos han llevado a un destino equivocado, a través de la osadía de ser más allá de los tópicos y los prejuicios, a través del conocimiento y del amor...
Dominique y Carolina se descubren, se conocen, se reconocen y a medida que pasa el tiempo, los días, las noches, los miedos... surge entre ellas algo más que una amistad, quizá la amistad en sí... lejos de la facilidad con que pronunciamos, escribimos y escuchamos esa palabra... para compartir mucho más que una condena...
Denise Chalem es una de las grandes autoras francesas y una de las pocas mujeres que ha recibido el Premio Moliere con el que se la galardonó en el año 2005. El texto es hermoso. No es reduccionista, pues entre las palabras y la psicología de los personajes se lee la realidad social de una mujer aún lejos de la igualdad... una mujer que aún camina por el mundo con unos onerosos lastres... la cárcel en la que se desarrolla esta obra bien podría ser, en Dominique, su propia vida... quizá siempre haya estado en la cárcel, en la prisión de un matrimonio desafortunado, en el calvario del maltrato de un marido al que no le basta su mujer... quizá en estos siete años haya experimentado la libertad de ser responsable sólo de sus actos... y no de los errores voluntarios de un hombre... quizá su acierto, por muy duro que parezca, haya sido el delito por el que contempla la vida a través de unas rejas...
En estos aspectos me gusta mucho el texto y cómo la autora francesa ha dibujado a sus protagonistas.
María José Goyanes y Marta Belaustegui interpretan a las dos heroínas. La primera desarrolla su labor de un modo convincente, mostrando perfectamente la evolución de una mujer que en un primer momento conocimos envuelta en un papel áspero y vulgar. Al final de la obra la descubrimos llena de sensibilidad, de desesperanza, de valentía también y siempre de generosidad. Marta Belaustegui, por el contrario, no dota a su personaje de la veracidad necesaria; no se ve en ella una evolución auténtica, su interpretación se queda un poquito en la superficie.
La puesta en escena es muy gráfica, a veces los ruidos no son del todo creíbles y algunas de las intervenciones de Patricia Sanz resultan casi caricaturescas...
“Dile a mi hija que me fui de viaje” se sustenta sobre todo en la interpretación de María José Goyanes, en un cara a cara lleno de humanidad y en un texto verdaderamente hermoso.

Sofía Basalo.


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NOVEDADES EDITORIALES

Los cinco continentes del Teratro

Querido lector, quisiera contarte aquí cómo nació la idea de este libro porque el origen, como sabes, es al mismo tiempo, el inicio y el fundamento. A fines del siglo pasado, estábamos sorprendidos de que nuestro libro El arte secreto del actor. Diccionario de antropología teatral –publicado por primera vez en 1983– continuara siendo editado y traducido en diferentes idiomas. Probablemente resultó eficaz su fórmula simple en la que textos e imágenes tienen la misma importancia, y uno constantemente remite al otro; las ilustraciones se volvían protagonistas para sostener un nuevo campo de estudios, la antropología teatral ideada por Eugenio. Si como estudioso del teatro yo había colaborado con la antropología teatral, ahora le pedía a Eugenio su participación en la vertiente de la Historia, con un libro que imaginábamos como un complemento del precedente. Aun teniendo que decidir toda la organización del libro, me respondió que era una buena idea y me propuso que los argumentos giraran en torno a las técnicas, nunca lo suficientemente estudiadas, de los actores.
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Puntos de vista

Es un privilegio el poder dar a conocer el trabajo que desde finales de los años 60 Suzanne Osten ha desarrollado tanto en Suecia como en el resto del mundo, a través de presentaciones, giras, conferencias y workshops. El alcance de la obra de Suzanne se se debiera condensar en unas pocas palabras toda su obra hablaría de: riesgo, compromiso, comunicación, lucha y una inalterable apuesta por los olvidados dentro de los olvidados: los niños. Y junto a ellos los jóvenes. Es a ellos a los que Suzanne ha dedicado una enorme parte de su actividad creadora.
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El objeto de esta obra es el de definir el nuevo paradigma de la forma dramática que aparece hacia 1880 y que continúa hasta hoy en las dramaturgias contemporáneas. Se tiende así un puente entre las primeras obras de la modernidad en el teatro como las de Ibsen, Strindberg o Chejov, y las más recientes, ya se trate de las obras de Heiner Müller, Bernard-Marie Koltès o Jon Fosse. Jean-Pierre Sarrazac desvela la dimensión rapsódica del drama moderna: una forma abierta, profundamente heterogénea, en la que los modos dramático, épico y lírico, e incluso argumentativo (el diálogo filosófico que contamina al diálogo dramático), no dejan de ensamblarse o de solaparse. Lejos de compartir las ideas de “decadencia” (Luckàcs), de obsolescencia (Lehmann) o de la muerte del drama (Adorno), Poética del drama moderno dibuja contornos, siempre en movimiento, de una forma la más libre posible, pero que no es la ausencia de forma.
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La zanja

¿En qué momento compartimos el viaje que nos hizo ser tan iguales? ¿Cómo reprocharnos y atraernos tanto? La respuesta está en el tiempo pasado, en nuestros ancestros, en el recuerdo común que permaneció oculto. Porque en definitiva, hemos heredado las acciones de unos hombres sobre otros y las influencias sobre el colectivo. La Zanja refleja el encuentro entre dos mundos, ese ciclo infinito que se repetirá una y otra vez. Es un trabajo exhaustivo de creación, surgido de la documentación de las crónicas de la época y nuestros viajes al Perú actual.
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En enero de 2007 el diseñador Antonio Miró presentó en la Pasarela de Barcelona un desfile no exento de polémica con ocho inmigrantes sin papeles y una escenografía con una patera y cajas. De tal acontecimiento le surge la idea de la obra a López Llera, quien, a raíz del suceso siente la necesidad de reflexionar sobre el papel del artista en la sociedad del espectáculo2, sobre la validez y efectividad de las denuncias sociales a través del arte y sobre el sentido de su propia escritura. La pieza constituye una magnífica denuncia dramática de la banalización de la cultura y del espectáculo.
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Hacia una poética del arte como vehículo de Jerzy Grotowski

La reinvención de Pere Sais ondea en el título de la obra: Hacia una poética del arte como vehículo. Grotowski, como se sabe, imaginaba que la “cadena” de las performing arts podía mantenerse tensa entre dos extremos: el arte como presentación por una parte y el arte como vehículo en el extremo opuesto. Al hablar de poética del arte como vehículo se realiza un salto epistemológico.
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