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Mié, Jul

EtxekoakArtedramaArtedrama y Huts Teatroa presentan el espectáculo 'Etxekoak', obra dirigida por Ander Lipus con texto de Jon Gerediaga estrenado el 1 de noviembre en la Harri Xuri Kultur Gela de Luhuso, y que visitará hasta el próximo junio numeros espacios de la geografía vasca.

 

'Etxekoak' abarca el tema de la inmigración, sin situar al inmigrante como protagonista. El punto de vista, en este caso, es el de una familia vasca; "etxekoak", precisamente (los de casa). "Entrar a trabajar con Ander Lipus en un trabajo de creación significa abandonar la comodidad de la casa y empezar a sudar, y a jugar en serio, como los niños. Y a trabajar firme", afirma Jon Gerediaga. "Las cosas, más o menos, suelen suceder así: Lipus cierra los ojos, y poco a poco o de repente, aparecen en escena imágenes y acciones. Entonces no resulta difícil ponerse de acuerdo: yo debo colocar palabras en el mismo lugar en el que él coloca imágenes y acciones: a favor del hombre, a favor de la poesía", finaliza. La compañía ha realizado varias residencias de creación de la obra, pasando por Leioa, Zumaia y Luhuso.

Etxekoak parte de una vivencia personal de Ander Lipus. El director, que trabaja también como actor en el montaje, quería dar a conocer lo complicado que llega a ser el poder traer a una persona de otro país, debido tanto a temas económicos como a asuntos burocráticos. Así, hace unos tres años, Lipus acude con la idea a Jon Gerediaga, con quien ya había trabajado anteriormente. "Han pasado 15 años desde que nos conocimos y empezamos a trabajar juntos. Siempre me ha atraído su manera de escribir, su sensibilidad", comenta Lipus sobre Gerediaga. El poeta mostró su interés, y de ahí comenzaron a trabajar en la estructura del texto. "Stanislavski dirigió los trabajos de Chejov. Kantor los de Witkiewitz. Y yo, los de Gerediaga", comenta Lipus.

El director quiere incidir en el hecho de que la historia no esté narrada desde el punto de vista del inmigrante, sino del de la gente que le va a acoger, de la familia, del propio pueblo, "de nosotros". La casa es por tanto la protagonista de la historia, que servirá de escenario donde mostrar la dureza de la situación a la que los personajes se enfrentan, contada a veces con un punto de ironía y sarcasmo que deriva de las propias situaciones que van surgiendo en la obra. En palabras de Lipus: "Lo triste es que haya tantos impedimentos para que esas personas puedan salir de sus países".

Mamadou

"Cualquiera no puede entrar en casa. Eso dice la ley. Maddi ama a Mamadou. Eso dice el corazón". Así se presenta la trama, que comienza cuando Maddi llega de África y le cuenta a su familia que se ha enamorado de un africano, y que quiere traerlo a casa. La historia, que se desarrolla en la propia casa, muestra el proceso que han de seguir los protagonistas para poder traer a casa a Mamadou, el susodicho.

Cuatro son los personajes que forman parte del montaje, encarnados por un elenco que Lipus describe como "especial". Maika Etxekopar, actriz que ha trabajado con la compañía Le Petit Théâtre de Pain, interpreta a Maddi. Kristiane Etxaluz da vida a su abuela. Javier Barandiaran (Ados Teatroa, Trapu Zaharra, Hika...) es uno de los tíos de Maddi, Goio, "el idiota del pueblo", que será presentado con unas orejas de burro. Y por último, Ander Lipus interpreta al segundo de los tíos, Imanol, más responsable y un poco neurótico, preocupado por el papeleo de la burocracia. Lipus destaca que "es un placer tener este equipo de trabajo", nombrando también la música de Asier Ituarte o la iluminación de Josep Duhau. Forman también parte del equipo artístico Leire Orella (vestuario) o Jose Pablo Arriaga (escenografía), entre otros. Mariya Aneva es la ayudante de dirección del espectáculo.

El montaje tiene ya más de una treintena de representaciones programadas hasta que finalice su recorrido en junio de 2016. Entre las funciones del mes de noviembre se encuentran la de Iruñea (día 11), las dos de Bilbo (18) o las cuatro de Donostia, donde estarán del día 26 al 29. Antes del periodo navideño pasarán también por localidades como Hazparne, Elorrio, Berriz o Markina.

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Querido lector, quisiera contarte aquí cómo nació la idea de este libro porque el origen, como sabes, es al mismo tiempo, el inicio y el fundamento. A fines del siglo pasado, estábamos sorprendidos de que nuestro libro El arte secreto del actor. Diccionario de antropología teatral –publicado por primera vez en 1983– continuara siendo editado y traducido en diferentes idiomas. Probablemente resultó eficaz su fórmula simple en la que textos e imágenes tienen la misma importancia, y uno constantemente remite al otro; las ilustraciones se volvían protagonistas para sostener un nuevo campo de estudios, la antropología teatral ideada por Eugenio. Si como estudioso del teatro yo había colaborado con la antropología teatral, ahora le pedía a Eugenio su participación en la vertiente de la Historia, con un libro que imaginábamos como un complemento del precedente. Aun teniendo que decidir toda la organización del libro, me respondió que era una buena idea y me propuso que los argumentos giraran en torno a las técnicas, nunca lo suficientemente estudiadas, de los actores.
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Es un privilegio el poder dar a conocer el trabajo que desde finales de los años 60 Suzanne Osten ha desarrollado tanto en Suecia como en el resto del mundo, a través de presentaciones, giras, conferencias y workshops. El alcance de la obra de Suzanne se se debiera condensar en unas pocas palabras toda su obra hablaría de: riesgo, compromiso, comunicación, lucha y una inalterable apuesta por los olvidados dentro de los olvidados: los niños. Y junto a ellos los jóvenes. Es a ellos a los que Suzanne ha dedicado una enorme parte de su actividad creadora.
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El objeto de esta obra es el de definir el nuevo paradigma de la forma dramática que aparece hacia 1880 y que continúa hasta hoy en las dramaturgias contemporáneas. Se tiende así un puente entre las primeras obras de la modernidad en el teatro como las de Ibsen, Strindberg o Chejov, y las más recientes, ya se trate de las obras de Heiner Müller, Bernard-Marie Koltès o Jon Fosse. Jean-Pierre Sarrazac desvela la dimensión rapsódica del drama moderna: una forma abierta, profundamente heterogénea, en la que los modos dramático, épico y lírico, e incluso argumentativo (el diálogo filosófico que contamina al diálogo dramático), no dejan de ensamblarse o de solaparse. Lejos de compartir las ideas de “decadencia” (Luckàcs), de obsolescencia (Lehmann) o de la muerte del drama (Adorno), Poética del drama moderno dibuja contornos, siempre en movimiento, de una forma la más libre posible, pero que no es la ausencia de forma.
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¿En qué momento compartimos el viaje que nos hizo ser tan iguales? ¿Cómo reprocharnos y atraernos tanto? La respuesta está en el tiempo pasado, en nuestros ancestros, en el recuerdo común que permaneció oculto. Porque en definitiva, hemos heredado las acciones de unos hombres sobre otros y las influencias sobre el colectivo. La Zanja refleja el encuentro entre dos mundos, ese ciclo infinito que se repetirá una y otra vez. Es un trabajo exhaustivo de creación, surgido de la documentación de las crónicas de la época y nuestros viajes al Perú actual.
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