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Mié, Jun

Joaquín de Luz

La directora general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Amaya de Miguel, ha anunciado el nombramiento de Joaquín de Luz como nuevo director de la Compañía Nacional de Danza (CND). Se incorporará al cargo a partir del 1 de septiembre de 2019, por un periodo de cinco años.

 

La designación de Joaquín de Luz se ha realizado tras un proceso de selección que ha atendido a los principios de igualdad, mérito y capacidad, tras someterse la totalidad de los proyectos presentados a la valoración del Consejo Artístico de la Danza, de acuerdo con lo dispuesto en el Real Decreto 497/2010, de 30 de abril, por el que se regulan los órganos de participación y asesoramiento del INAEM, y del Estatuto de la CND.

Proyecto artístico

El proyecto presentado por el bailarín Joaquín de Luz incide en la idea de desarrollar la identidad propia de la CND. Su propuesta va dirigida, continuando el trabajo de su predecesor José Carlos Martínez, a definir los ragos de identidad que distinguen a la Compañía Nacional de Danza y la sitúe como una de las más destacadas de la escena internacional del siglo XXI.

Para ello propone que la Compañía sea versátil, que aborde el ballet clásico, la danza neoclásica y la contemporánea, que experimente con los nuevos lenguajes con un repertorio plural y representativo de nuestra tradición cultural, que sea reconocible dentro y fuera del Estado español.

Giras nacionales y proyección internacional. Las giras, tanto nacionales como internacionales, son otro de los objetivos clave para acercar la danza a todos los territorios y públicos. Impulsar la proyección internacional abriendo nuevos circuitos de difusión y exhibición, principalmente en EEUU, Canadá, Asia y Oriente Medio. Asímismo, fomentar los programas de intercambio artístico y profesional de bailarines y coreógrafos y de coproducciones internacionales, tanto con otras compañías como con los festivales de danza.

Formación continua, nueva creación y reciclaje profesional. Propone la creación de un proyecto de alta formación para bailarines jóvenes en su transición a la vida profesional, en contacto directo con la vida artística, que sirva también de plataforma para el desarrollo creativo de jóvenes coreógrafos españoles y posible cantera de la compañía profesional.

Defiende la importancia de la puesta en marcha de talleres y cursos de excelencia artística que permitan la formación continua y especializada en el seno de la CND y ofrezcan oportunidades de perfeccionamiento personalizado a profesionales de la danza, tanto en su faceta de intérpretes como de coreógrafos.

Activar la colaboración institucional. Para lograr todo esto propone buscar nuevas vías de colaboración activa con compañías públicas y privadas, y con aquellas administraciones y entidades con competencia en la promoción exterior de la cultura como orquestas, grandes teatros y festivales, entre otros.

Trayectoria profesional

Joaquín de Luz (Madrid, 1976) se formó en la escuela de danza de Víctor Ullate. Tras su posterior incorporación, bailó para la compañía madrileña entre 1992 y 1995. Un año después, se une al Pennsylvania Ballet (EE UU) Con esta compañía interpretó papeles principales en los clásicos Diana y Acteon, Coppelia y La Bella Durmiente.

En 1997 ingresa en el cuerpo de baile del American Ballet Theatre en Nueva York y un año más tarde pasa a ser bailarín solista de esta formación donde permaneció durante 6 temporadas.

En 2003 llegó como solista al New York City Ballet (NYCB) y ya en 2005 fue nominado primer bailarín. Deseaba trabajar con el director y coreógrafo danés Peter Martins. Allí ha permanecido hasta su despedida en octubre de 2018, donde llegó a ser uno de sus 20 bailarines principales. El amplio repertorio que realizó durante todo este tiempo incluye interpretaciones para August Bournonville, Justin Peck, Alexei Ratmansky y Christopher Wheeldon. Ha sido el principal bailarín en la interpretación de las coreografías de George Balanchine y Jerome Robbins Su carrera incluye también el papel original de Tybalt en Romeo + Juliet de Peter Martins.

De Luz ha actuado como artista invitado con numerosas compañías internacionales como la Compañía Nacional de Danza (CND), American Ballet Theater, San Francisco Ballet, Stanislavsky Theater en Moscú, Ballet del Teatro Colón de Buenos Aires y el Ballet Nacional de Cuba, entre otros. En 2013 debutó en el papel protagonista en el show de Broadway On your Toes, en Nueva York.

Entre los numerosos reconocimientos en su carrera destacan la Medalla  de oro en el concurso internacional de Nureyev (Burarest 2006), el Premio Benoise de la Danse al mejor bailarín masculio (Moscú 2009, el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid (2010) y el Premio Nacional de Danza a la Interpretación (2016).

Desde 2013 es director artístico de la compañía Estrellas del Ballet de Nueva York e imparte clases en el School of American Ballet en Nueva York, en la escuela JKO y en el Studio Company del ABT, la Escuela de Danza de Marat Daukayev, en los Angeles, y en la Rock School de Filadelfia. Ese mismo año interpretó el papel principal en la nueva versión de la obra maestra Watermill de Jerome Robbins, en la Brooklyn Academy of Music de Nueva York.

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NOVEDADES EDITORIALES

Los cinco continentes del Teratro

Querido lector, quisiera contarte aquí cómo nació la idea de este libro porque el origen, como sabes, es al mismo tiempo, el inicio y el fundamento. A fines del siglo pasado, estábamos sorprendidos de que nuestro libro El arte secreto del actor. Diccionario de antropología teatral –publicado por primera vez en 1983– continuara siendo editado y traducido en diferentes idiomas. Probablemente resultó eficaz su fórmula simple en la que textos e imágenes tienen la misma importancia, y uno constantemente remite al otro; las ilustraciones se volvían protagonistas para sostener un nuevo campo de estudios, la antropología teatral ideada por Eugenio. Si como estudioso del teatro yo había colaborado con la antropología teatral, ahora le pedía a Eugenio su participación en la vertiente de la Historia, con un libro que imaginábamos como un complemento del precedente. Aun teniendo que decidir toda la organización del libro, me respondió que era una buena idea y me propuso que los argumentos giraran en torno a las técnicas, nunca lo suficientemente estudiadas, de los actores.
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Puntos de vista

Es un privilegio el poder dar a conocer el trabajo que desde finales de los años 60 Suzanne Osten ha desarrollado tanto en Suecia como en el resto del mundo, a través de presentaciones, giras, conferencias y workshops. El alcance de la obra de Suzanne se se debiera condensar en unas pocas palabras toda su obra hablaría de: riesgo, compromiso, comunicación, lucha y una inalterable apuesta por los olvidados dentro de los olvidados: los niños. Y junto a ellos los jóvenes. Es a ellos a los que Suzanne ha dedicado una enorme parte de su actividad creadora.
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El objeto de esta obra es el de definir el nuevo paradigma de la forma dramática que aparece hacia 1880 y que continúa hasta hoy en las dramaturgias contemporáneas. Se tiende así un puente entre las primeras obras de la modernidad en el teatro como las de Ibsen, Strindberg o Chejov, y las más recientes, ya se trate de las obras de Heiner Müller, Bernard-Marie Koltès o Jon Fosse. Jean-Pierre Sarrazac desvela la dimensión rapsódica del drama moderna: una forma abierta, profundamente heterogénea, en la que los modos dramático, épico y lírico, e incluso argumentativo (el diálogo filosófico que contamina al diálogo dramático), no dejan de ensamblarse o de solaparse. Lejos de compartir las ideas de “decadencia” (Luckàcs), de obsolescencia (Lehmann) o de la muerte del drama (Adorno), Poética del drama moderno dibuja contornos, siempre en movimiento, de una forma la más libre posible, pero que no es la ausencia de forma.
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La zanja

¿En qué momento compartimos el viaje que nos hizo ser tan iguales? ¿Cómo reprocharnos y atraernos tanto? La respuesta está en el tiempo pasado, en nuestros ancestros, en el recuerdo común que permaneció oculto. Porque en definitiva, hemos heredado las acciones de unos hombres sobre otros y las influencias sobre el colectivo. La Zanja refleja el encuentro entre dos mundos, ese ciclo infinito que se repetirá una y otra vez. Es un trabajo exhaustivo de creación, surgido de la documentación de las crónicas de la época y nuestros viajes al Perú actual.
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Pasarela Senegal

En enero de 2007 el diseñador Antonio Miró presentó en la Pasarela de Barcelona un desfile no exento de polémica con ocho inmigrantes sin papeles y una escenografía con una patera y cajas. De tal acontecimiento le surge la idea de la obra a López Llera, quien, a raíz del suceso siente la necesidad de reflexionar sobre el papel del artista en la sociedad del espectáculo2, sobre la validez y efectividad de las denuncias sociales a través del arte y sobre el sentido de su propia escritura. La pieza constituye una magnífica denuncia dramática de la banalización de la cultura y del espectáculo.
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Hacia una poética del arte como vehículo de Jerzy Grotowski

La reinvención de Pere Sais ondea en el título de la obra: Hacia una poética del arte como vehículo. Grotowski, como se sabe, imaginaba que la “cadena” de las performing arts podía mantenerse tensa entre dos extremos: el arte como presentación por una parte y el arte como vehículo en el extremo opuesto. Al hablar de poética del arte como vehículo se realiza un salto epistemológico.
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