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Lun, Jun

negro & negro | Norka Chiapusso

Si la producción de cualquier espectáculo es una empresa complicada en sí misma, atreverse con una producción de circo, de gran formato y querer llevarla adelante con un equipo artístico formado por gentes del país ... ¿qué vamos a decir?. Únicamente unas locas maravillosas como las hermanas Lorente, alma mater de Aire Aire, son capaces de liarse la manta a la cabeza y tirar hacia adelante con el proyecto. Dirigido por el prestigioso director de escena Adrian Schvarztein, maestro de circo, y contando con los apoyos de la Muestra Internacional de Artes de la Calle KaldeArte de Gasteiz y con el Festival Internacional de Teatro y Artes de la Calle Bilboko Kalealdia nace Lurrak, propuesta de circo contemporáneo con label vasco.

Cinco actores y actrices y cuatro músicos en escena. Cinco actores y actrices con capacidad de interpretar y que dominen varias técnicas circenses, que sean multidisciplinares. En cuanto los músicos deben ser conocedores de la música tradicional y tocar también instrumentos distintos, alejados de la tradición. Capacidad para componer e incluso improvisar en escena. La puesta en escena también es potente, con una estructura metálica central de más de 5 metros de altura donde evolucionan los artistas.

Tras un par de castings artísticos en Bilbao y Vitora, y después de un proceso largo de producción con residencias de trabajo también en Bilbao y en Vitoria, a las que hay que sumar una tercera en Iparralde, Lurrak se estrenó en junio. En el marco del Festival de Calle de Santurtzi en noviembre se estrenará la versión en sala del espectáculo.

La intención es producir un espectáculo enraizado en la cultura vasca, con artistas autóctonos, con calidad, con contenido y espectacularidad dispuesto a girar por el Estado, Europa y otros países, según declaraciones de los organizadores.

El resultado es bueno. Consiguen montar una fiesta en la calle con músicos muy versátiles y capaces de levantar un graderio entero. La dirección se mueve en una clave de humor, clown, movimiento y actividad desenfrenada en función de un contendido sutilmente reivindicativo. La parte teatral también es buena, cada componente resuelve su responsabilidad interpretativa con solvencia a pesar de tener rolles muy distintos a lo largo la función. Este es un valor importante en el espectáculo, conseguir esa versatilidad en el elenco. Quizás se le podía haber sacado más provecho a la estructura central, eje del desarrollo de la acción y base para el trabajo en los números de circo. Lo que pasa es que para eso, habría que contar con un elenco, en general, más sólido en la parte de las artes circenses. Es el punto más "flaco" y donde habría que mejorar, sobre todo, si se quiere atacar con fuerza los mercados europeos conocedores del nivel que existe en Europa, en general y en el circo francés, en particular.

En general, un trabajo muy aceptable. Vi la segunda función, que ya estaba muy bien. Hay tiempo para retocar la parte de circo y pensar que el esfuerzo es grande, atrevido y muy muy positivo para la calle vasca pero que acaso, en lugar de llegar con un elenco exclusivamente autóctono en un solo paso se puede llegar en dos pasos, que tampoco pasa nada. Porque llegar se llegará.¡Felicidades!

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NOVEDADES EDITORIALES

Los cinco continentes del Teratro

Querido lector, quisiera contarte aquí cómo nació la idea de este libro porque el origen, como sabes, es al mismo tiempo, el inicio y el fundamento. A fines del siglo pasado, estábamos sorprendidos de que nuestro libro El arte secreto del actor. Diccionario de antropología teatral –publicado por primera vez en 1983– continuara siendo editado y traducido en diferentes idiomas. Probablemente resultó eficaz su fórmula simple en la que textos e imágenes tienen la misma importancia, y uno constantemente remite al otro; las ilustraciones se volvían protagonistas para sostener un nuevo campo de estudios, la antropología teatral ideada por Eugenio. Si como estudioso del teatro yo había colaborado con la antropología teatral, ahora le pedía a Eugenio su participación en la vertiente de la Historia, con un libro que imaginábamos como un complemento del precedente. Aun teniendo que decidir toda la organización del libro, me respondió que era una buena idea y me propuso que los argumentos giraran en torno a las técnicas, nunca lo suficientemente estudiadas, de los actores.
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Puntos de vista

Es un privilegio el poder dar a conocer el trabajo que desde finales de los años 60 Suzanne Osten ha desarrollado tanto en Suecia como en el resto del mundo, a través de presentaciones, giras, conferencias y workshops. El alcance de la obra de Suzanne se se debiera condensar en unas pocas palabras toda su obra hablaría de: riesgo, compromiso, comunicación, lucha y una inalterable apuesta por los olvidados dentro de los olvidados: los niños. Y junto a ellos los jóvenes. Es a ellos a los que Suzanne ha dedicado una enorme parte de su actividad creadora.
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El objeto de esta obra es el de definir el nuevo paradigma de la forma dramática que aparece hacia 1880 y que continúa hasta hoy en las dramaturgias contemporáneas. Se tiende así un puente entre las primeras obras de la modernidad en el teatro como las de Ibsen, Strindberg o Chejov, y las más recientes, ya se trate de las obras de Heiner Müller, Bernard-Marie Koltès o Jon Fosse. Jean-Pierre Sarrazac desvela la dimensión rapsódica del drama moderna: una forma abierta, profundamente heterogénea, en la que los modos dramático, épico y lírico, e incluso argumentativo (el diálogo filosófico que contamina al diálogo dramático), no dejan de ensamblarse o de solaparse. Lejos de compartir las ideas de “decadencia” (Luckàcs), de obsolescencia (Lehmann) o de la muerte del drama (Adorno), Poética del drama moderno dibuja contornos, siempre en movimiento, de una forma la más libre posible, pero que no es la ausencia de forma.
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La zanja

¿En qué momento compartimos el viaje que nos hizo ser tan iguales? ¿Cómo reprocharnos y atraernos tanto? La respuesta está en el tiempo pasado, en nuestros ancestros, en el recuerdo común que permaneció oculto. Porque en definitiva, hemos heredado las acciones de unos hombres sobre otros y las influencias sobre el colectivo. La Zanja refleja el encuentro entre dos mundos, ese ciclo infinito que se repetirá una y otra vez. Es un trabajo exhaustivo de creación, surgido de la documentación de las crónicas de la época y nuestros viajes al Perú actual.
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Pasarela Senegal

En enero de 2007 el diseñador Antonio Miró presentó en la Pasarela de Barcelona un desfile no exento de polémica con ocho inmigrantes sin papeles y una escenografía con una patera y cajas. De tal acontecimiento le surge la idea de la obra a López Llera, quien, a raíz del suceso siente la necesidad de reflexionar sobre el papel del artista en la sociedad del espectáculo2, sobre la validez y efectividad de las denuncias sociales a través del arte y sobre el sentido de su propia escritura. La pieza constituye una magnífica denuncia dramática de la banalización de la cultura y del espectáculo.
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Hacia una poética del arte como vehículo de Jerzy Grotowski

La reinvención de Pere Sais ondea en el título de la obra: Hacia una poética del arte como vehículo. Grotowski, como se sabe, imaginaba que la “cadena” de las performing arts podía mantenerse tensa entre dos extremos: el arte como presentación por una parte y el arte como vehículo en el extremo opuesto. Al hablar de poética del arte como vehículo se realiza un salto epistemológico.
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