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Mié, Jul

Mirada de Zebra | Borja Ruiz

Desde hace algunos años estamos viviendo la moda de la genética, según la cual entendemos que nuestra apariencia, muchas enfermedades, ciertos rasgos de comportamiento y otras muchas cosas que no llegamos a imaginar vienen codificados por esas tres letras que conoce todo el mundo: el omnipotente ADN. Mis estudios en el ámbito de la farmacología han estado totalmente imbuidos por esta moda. Recientemente, sin embargo, me han hablado de otro concepto tanto o más poderoso que el gen a la hora de determinar el comportamiento y el estilo de vida de los humanos. Se trata del término "meme", acuñado por Richard Dawkins. Explicado sin espacio para los matices, un meme se refiere a la unidad de información que se transmite de unas personas a otras y que conforma la herencia cultural de un grupo humano. De cómo se crean y comparten esas unidades de información depende el grado de evolución de una sociedad, sus avances no sólo en el ámbito tecnológico, sino también en terrenos menos tangibles ligados a la espiritualidad, la ética o el arte.

Veamos, en cualquier caso, un ejemplo prosaico. Si en poco más de un siglo la esperanza de vida ha alcanzado los 80 años en ciertos países industrializados, no se debe desde luego a una supuesta evolución selectiva de nuestros genes, sino a la creación y traspaso de unos memes relacionados con el estilo de vida y ciertos descubrimientos clave –el de los antibióticos por ejemplo–, que se han ido propagando de generación en generación.

La comparación entre gen y meme viene a colación puesto que, según Dawkins, pese a las diferencias obvias, ambos son unidades de información que se replican y se transmiten de unas personas a otras. Aplicando la mirada más optimista, se deduce que aquellos memes más útiles para las personas son los que sobreviven y se transfieren de una generación a otra. La realidad también dice que los memes capaces de generar malestar e injusticia tienen, por alguna ciencia incierta, mayor facilidad para permanecer entre nosotros.

Puesta la cuestión de los memes en este espacio virtual, la pregunta es obligada: ¿Cómo se generan y se transmiten las unidades de conocimiento en el ámbito de las Artes Escénicas?

Resulta interesante al respecto la distinción de Richard Schechner entre texto y texto performativo ("performance text"). El texto se refiere a las palabras del espectáculo que se registran en el libreto dramático, mientras que el performance text hace referencia a todo aquello que acontece durante el espectáculo, tenga palabra o no y esté dentro o fuera de la escena.

Según Schechner, históricamente el trasvase del conocimiento del Arte Escénico en Occidente se ha dado a través del texto. Lo que nos llega de los teatros antiguos es generalmente la dramaturgia escrita, ya que todo lo relacionado con la puesta en escena o la interpretación de los actores suele ser circunstancial o secundaria. De ahí esa confusión que lleva a asociar la historia del teatro con la historia de la literatura dramática, cuando resulta obvio que la segunda es sólo una parte de la primera. En los teatros tradicionales de Oriente, por el contrario, la transferencia se produce mediante el texto performativo. Un actor de Kathakali, por ejemplo, no sólo aprende el texto de la obra que representa, aprende también las acciones físicas y vocales con las que tiene que interpretar, así como la manera de maquillarse y todos los rituales previos y posteriores al espectáculo.

En la actualidad, aunque se hacen esfuerzos para que la transmisión del conocimiento escénico no se reduzca a lo que ha quedado registrado en libros, creo que aún somos víctimas de una educación en exceso centrada en teorías y textos escritos. Tendemos a encerrar el supuesto saber en las aulas y a saturarlo de conceptos y palabras. Y si bien es cierto que las palabras son materia prima indispensable para crear pensamiento y que a veces sólo por sí mismas –cuando las escuchamos o leemos en personas particularmente estimulantes– catalizan acciones imprevistas, rebeldes o innovadoras; sucede, sin embargo, que en cuestión de arte escénico, salvo excepciones, las palabras hallan su verdadero sentido cuando alcanzan su reverso práctico, un lugar donde el saber etéreo se traduce en acción palpable.

Quizá sea por todo esto que siempre que puedo me escapo para ver demostraciones de trabajo, participar en trueques de procesos creativos o en cursos donde el aprendizaje fluye piel a piel. Pues es en estos contextos donde la teoría se transforma en experiencia viva, es decir, en el lenguaje del que está hecho el Arte Escénico. O dicho de otra manera, es allí donde el "meme escénico", por así llamarlo, encuentra las vías adecuadas para ser transmitido, repetido, moldeado y, por qué no, contestado.

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NOVEDADES EDITORIALES

Los cinco continentes del Teratro

Querido lector, quisiera contarte aquí cómo nació la idea de este libro porque el origen, como sabes, es al mismo tiempo, el inicio y el fundamento. A fines del siglo pasado, estábamos sorprendidos de que nuestro libro El arte secreto del actor. Diccionario de antropología teatral –publicado por primera vez en 1983– continuara siendo editado y traducido en diferentes idiomas. Probablemente resultó eficaz su fórmula simple en la que textos e imágenes tienen la misma importancia, y uno constantemente remite al otro; las ilustraciones se volvían protagonistas para sostener un nuevo campo de estudios, la antropología teatral ideada por Eugenio. Si como estudioso del teatro yo había colaborado con la antropología teatral, ahora le pedía a Eugenio su participación en la vertiente de la Historia, con un libro que imaginábamos como un complemento del precedente. Aun teniendo que decidir toda la organización del libro, me respondió que era una buena idea y me propuso que los argumentos giraran en torno a las técnicas, nunca lo suficientemente estudiadas, de los actores.
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Puntos de vista

Es un privilegio el poder dar a conocer el trabajo que desde finales de los años 60 Suzanne Osten ha desarrollado tanto en Suecia como en el resto del mundo, a través de presentaciones, giras, conferencias y workshops. El alcance de la obra de Suzanne se se debiera condensar en unas pocas palabras toda su obra hablaría de: riesgo, compromiso, comunicación, lucha y una inalterable apuesta por los olvidados dentro de los olvidados: los niños. Y junto a ellos los jóvenes. Es a ellos a los que Suzanne ha dedicado una enorme parte de su actividad creadora.
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Poética del drama moderno

El objeto de esta obra es el de definir el nuevo paradigma de la forma dramática que aparece hacia 1880 y que continúa hasta hoy en las dramaturgias contemporáneas. Se tiende así un puente entre las primeras obras de la modernidad en el teatro como las de Ibsen, Strindberg o Chejov, y las más recientes, ya se trate de las obras de Heiner Müller, Bernard-Marie Koltès o Jon Fosse. Jean-Pierre Sarrazac desvela la dimensión rapsódica del drama moderna: una forma abierta, profundamente heterogénea, en la que los modos dramático, épico y lírico, e incluso argumentativo (el diálogo filosófico que contamina al diálogo dramático), no dejan de ensamblarse o de solaparse. Lejos de compartir las ideas de “decadencia” (Luckàcs), de obsolescencia (Lehmann) o de la muerte del drama (Adorno), Poética del drama moderno dibuja contornos, siempre en movimiento, de una forma la más libre posible, pero que no es la ausencia de forma.
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La zanja

¿En qué momento compartimos el viaje que nos hizo ser tan iguales? ¿Cómo reprocharnos y atraernos tanto? La respuesta está en el tiempo pasado, en nuestros ancestros, en el recuerdo común que permaneció oculto. Porque en definitiva, hemos heredado las acciones de unos hombres sobre otros y las influencias sobre el colectivo. La Zanja refleja el encuentro entre dos mundos, ese ciclo infinito que se repetirá una y otra vez. Es un trabajo exhaustivo de creación, surgido de la documentación de las crónicas de la época y nuestros viajes al Perú actual.
Precio : 10€

Pasarela Senegal

En enero de 2007 el diseñador Antonio Miró presentó en la Pasarela de Barcelona un desfile no exento de polémica con ocho inmigrantes sin papeles y una escenografía con una patera y cajas. De tal acontecimiento le surge la idea de la obra a López Llera, quien, a raíz del suceso siente la necesidad de reflexionar sobre el papel del artista en la sociedad del espectáculo2, sobre la validez y efectividad de las denuncias sociales a través del arte y sobre el sentido de su propia escritura. La pieza constituye una magnífica denuncia dramática de la banalización de la cultura y del espectáculo.
Precio : 10€

Hacia una poética del arte como vehículo de Jerzy Grotowski

La reinvención de Pere Sais ondea en el título de la obra: Hacia una poética del arte como vehículo. Grotowski, como se sabe, imaginaba que la “cadena” de las performing arts podía mantenerse tensa entre dos extremos: el arte como presentación por una parte y el arte como vehículo en el extremo opuesto. Al hablar de poética del arte como vehículo se realiza un salto epistemológico.
Precio : 24€