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Sáb, Jul

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Del 23 al 25 de enero tendrá lugar Acento, la muestra escénica que culmina anualmente la convocatoria Artistas en residencia organizada por La Casa Encendida y el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M), cuyo fin es apoyar la creación y la investigación en el trabajo con el cuerpo desde lo performativo.

 

María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca; Esther Rodríguez-Barbero; David Benito, Irene Cantero y Víctor Colmenero; Javier Marquerie Thomas; Oihana Altube y Javier Vaquero; Twins Experiment y Aniara Rodado y Óscar Martín fueron los artistas seleccionados para desarrollar sus proyectos en Artistas en residencia 2018.

Los proyectos que se presentarán en esta edición de Acento los días 23, 24 y 25 de enero son 'Guided Tour' de Esther Rodríguez-Barbero; 'Notación y transmisión, el movimiento de una Ruda' de Aniara Rodado; 'Rojo pandereta' de Javier Vaquero y Oihana Altube y 'everlasting softness' de Twins Experiment.

Además, Agua de Borrajas, junto con los Artistas en residencia, han producido la publicación 'Manual de Instrucciones', que propone la experimentación con el cuerpo en nuestra propia casa.

PROGRAMA

23 de enero

18 h

'Guided Tour' con Esther Rodríguez-Barbero

Lugar: espacios comunes de La Casa Encendida

'Guided Tour' es un recorrido por las partes no visibles del edificio de La Casa Encendida. Una invitación a pensar/activar el espacio juntos, a descubrir lo que está detrás, lo que no se ve a simple vista, sus historias, su funcionamiento y el lugar que ocupa en la memoria colectiva. Es un estudio del espacio de pensamiento y una herramienta performativa. Su objetivo es animar al visitante a moverse por los espacios, pensarlos y habitarlos desde su propio cuerpo para afectarlos y verse inmiscuido en ellos al mismo tiempo que éste se ve afectado por los límites, dimensiones, historias y discursos que lo configuran.

19 h

'Notación y transmisión el movimiento de una Ruda' de Aniara Rodado

Lugar: Sala A de La Casa Encendida

Las investigaciones recientes sobre los sentidos de las plantas y sus capacidades biológicas para adaptar su metabolismo a los cambios ambientales alimentan este proyecto, que se teje desde narrativas especulativas no antropocéntricas.

Un largo metraje cuya exclusiva protagonista es la Ruda, constituye el trabajo de luz e imagen. Este se basa en los time-lapse usados para el análisis del movimiento de la Ruda, así como en nuestra experiencia de cohabitación con la misma, articulando la danza humana en torno a las fracturas temporales entre la vida vegetal y la humana en una instalación que permite cambios atmosféricos, creando un teatro climático donde los dispositivos tecnológicos generan espacios que enriquecen y transforman nuestro sensorium y nuestra percepción del entorno.

24 de enero

17 h

'Rojo pandereta' de Javier Vaquero y Oihana Altubel

Lugar: Patio de La Casa Encendida

'Rojo pandereta' es una pieza de danza que toma como referencia la puesta en escena en 1869 de Don Quijote de la Mancha por el coreógrafo francés Marius Petipa para reflexionar y cuestionar los paradigmas coreográficos que, como bailarinas, han atravesado y construido nuestras identidades corporales.

De esta manera, pretende evidenciar que la danza, además de ser una manifestación estética, ha servido y sirve para escriturar las ideologías, identidades, emociones, simbolismos y fisiologías de los cuerpos; y que, a su vez, es un medio de constitución política, social, cultural y económica.

25 de enero

21h:

'everlasting softness' de Twins Experiment

Lugar: CA2M Centro de Arte Dos de Mayo

'everlasting softness' es el tercer proyecto de Twins Experiment. En él se quiere propiciar un espacio blando para ejercitar la escucha de la materia y su agencia, un espacio sensorial ficcionado donde todos los cuerpos tengan la misma importancia y la materia sirva como materialización de la tercera cosa que se produce ellos.

La práctica que Twins Experiment está desarrollando relaciona los cuerpos con materiales blandos, elegidos por su relación con algunos conceptos centrales en su trabajo colectivo: porosidad, flexibilidad, afectación y mutabilidad. Como imitando algunas características de la sociedad actual en la que nuestras vidas tienen una condición líquida, es decir, no mantienen por mucho tiempo la misma forma, esta muestra de proceso se plantea diferentes preguntas: ¿cómo ha de moverse nuestro cuerpo para ser acompañado por la materia?, ¿cómo respetar las singularidades de cada cuerpo?, ¿cómo es este ecosistema que se está generando?

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NOVEDADES EDITORIALES

Los cinco continentes del Teratro

Querido lector, quisiera contarte aquí cómo nació la idea de este libro porque el origen, como sabes, es al mismo tiempo, el inicio y el fundamento. A fines del siglo pasado, estábamos sorprendidos de que nuestro libro El arte secreto del actor. Diccionario de antropología teatral –publicado por primera vez en 1983– continuara siendo editado y traducido en diferentes idiomas. Probablemente resultó eficaz su fórmula simple en la que textos e imágenes tienen la misma importancia, y uno constantemente remite al otro; las ilustraciones se volvían protagonistas para sostener un nuevo campo de estudios, la antropología teatral ideada por Eugenio. Si como estudioso del teatro yo había colaborado con la antropología teatral, ahora le pedía a Eugenio su participación en la vertiente de la Historia, con un libro que imaginábamos como un complemento del precedente. Aun teniendo que decidir toda la organización del libro, me respondió que era una buena idea y me propuso que los argumentos giraran en torno a las técnicas, nunca lo suficientemente estudiadas, de los actores.
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Puntos de vista

Es un privilegio el poder dar a conocer el trabajo que desde finales de los años 60 Suzanne Osten ha desarrollado tanto en Suecia como en el resto del mundo, a través de presentaciones, giras, conferencias y workshops. El alcance de la obra de Suzanne se se debiera condensar en unas pocas palabras toda su obra hablaría de: riesgo, compromiso, comunicación, lucha y una inalterable apuesta por los olvidados dentro de los olvidados: los niños. Y junto a ellos los jóvenes. Es a ellos a los que Suzanne ha dedicado una enorme parte de su actividad creadora.
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Poética del drama moderno

El objeto de esta obra es el de definir el nuevo paradigma de la forma dramática que aparece hacia 1880 y que continúa hasta hoy en las dramaturgias contemporáneas. Se tiende así un puente entre las primeras obras de la modernidad en el teatro como las de Ibsen, Strindberg o Chejov, y las más recientes, ya se trate de las obras de Heiner Müller, Bernard-Marie Koltès o Jon Fosse. Jean-Pierre Sarrazac desvela la dimensión rapsódica del drama moderna: una forma abierta, profundamente heterogénea, en la que los modos dramático, épico y lírico, e incluso argumentativo (el diálogo filosófico que contamina al diálogo dramático), no dejan de ensamblarse o de solaparse. Lejos de compartir las ideas de “decadencia” (Luckàcs), de obsolescencia (Lehmann) o de la muerte del drama (Adorno), Poética del drama moderno dibuja contornos, siempre en movimiento, de una forma la más libre posible, pero que no es la ausencia de forma.
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La zanja

¿En qué momento compartimos el viaje que nos hizo ser tan iguales? ¿Cómo reprocharnos y atraernos tanto? La respuesta está en el tiempo pasado, en nuestros ancestros, en el recuerdo común que permaneció oculto. Porque en definitiva, hemos heredado las acciones de unos hombres sobre otros y las influencias sobre el colectivo. La Zanja refleja el encuentro entre dos mundos, ese ciclo infinito que se repetirá una y otra vez. Es un trabajo exhaustivo de creación, surgido de la documentación de las crónicas de la época y nuestros viajes al Perú actual.
Precio : 10€

Pasarela Senegal

En enero de 2007 el diseñador Antonio Miró presentó en la Pasarela de Barcelona un desfile no exento de polémica con ocho inmigrantes sin papeles y una escenografía con una patera y cajas. De tal acontecimiento le surge la idea de la obra a López Llera, quien, a raíz del suceso siente la necesidad de reflexionar sobre el papel del artista en la sociedad del espectáculo2, sobre la validez y efectividad de las denuncias sociales a través del arte y sobre el sentido de su propia escritura. La pieza constituye una magnífica denuncia dramática de la banalización de la cultura y del espectáculo.
Precio : 10€

Hacia una poética del arte como vehículo de Jerzy Grotowski

La reinvención de Pere Sais ondea en el título de la obra: Hacia una poética del arte como vehículo. Grotowski, como se sabe, imaginaba que la “cadena” de las performing arts podía mantenerse tensa entre dos extremos: el arte como presentación por una parte y el arte como vehículo en el extremo opuesto. Al hablar de poética del arte como vehículo se realiza un salto epistemológico.
Precio : 24€