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Mié, Jun

El Festival de Teatro y Artes de Calle de Valladolid acoge esta tarde la representación de 'Quejío', la aclamada obra de Salvador Távora que ha vuelto a los escenarios 45 años después de su estreno, con un respeto escrupuloso del montaje original. “Surgió como un espectáculo de protesta sin quererlo”, ha explicado Lilyane Drillon, mano derecha del dramaturgo andaluz.

 

Entre 1972, cuando se estrenó 'Quejío' en el pequeño teatro Magallanes de Madrid, hasta hoy, la sociedad ha experimentado un cambio radical. “Tecnológicamente ha habido un salto gigantesco, los intereses no son los mismos, sobre todo de la juventud, y nos preguntamos si tenía sentido retomar el montaje”, ha reflexionado Drillon, quien acto seguido ha llegado a la conclusión afirmativa. “Tanto entonces como ahora 'Quejío' sigue siendo un despertador de conciencias y el teatro es el último recinto donde puede haber una comunicación de piel a piel”, ha añadido.

En este montaje de 2018, la compañía Távora Teatro Abierto (La Cuadra) ha querido mantener la esencia de la obra de 1972. “Actuamos con los elementos de aquella época sin tener ningún sonido que no sea natural. El flamenco ahora se rodea de montones de micrófonos que ahora no hacen falta”, ha destacado Drillon.

La mano derecha de Salvador Távora ha profundizado en la concepción del director: “El flamenco era entonces un medio de diversión habiendo olvidado de dónde venía. Salvador volvió a los orígenes del flamenco. Quitó todos los oropeles y con este teatro pobre pero cargado de intenciones fue suficientemente concreto y abstracto para que los espectadores echasen encima del bidón la opresión que ellos podían percibir”, ha dicho.

En la representación del LAVA participarán dos personas que estuvieron en los orígenes, por un lado el guitarrista Jaime Burgos y Juan Romero, que entonces actuó como bailaor, y ahora toca la flauta.

Cabe recordar que el TAC ha rendido homenaje este año al actor y director sevillano por su aclamada trayectoria que le ha convertido en renovador del teatro independiente andaluz en un acto celebrado el pasado sábado en el que el propio Távora envío un vídeo de agradecimiento, donde destacó que entiende el arte como compromiso. En su lugar, recogió el galardón el crítico teatral y amigo personal del artista, Carlos Gil, que esta mañana ha entregado a Drillon las distinciones.

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NOVEDADES EDITORIALES

Los cinco continentes del Teratro

Querido lector, quisiera contarte aquí cómo nació la idea de este libro porque el origen, como sabes, es al mismo tiempo, el inicio y el fundamento. A fines del siglo pasado, estábamos sorprendidos de que nuestro libro El arte secreto del actor. Diccionario de antropología teatral –publicado por primera vez en 1983– continuara siendo editado y traducido en diferentes idiomas. Probablemente resultó eficaz su fórmula simple en la que textos e imágenes tienen la misma importancia, y uno constantemente remite al otro; las ilustraciones se volvían protagonistas para sostener un nuevo campo de estudios, la antropología teatral ideada por Eugenio. Si como estudioso del teatro yo había colaborado con la antropología teatral, ahora le pedía a Eugenio su participación en la vertiente de la Historia, con un libro que imaginábamos como un complemento del precedente. Aun teniendo que decidir toda la organización del libro, me respondió que era una buena idea y me propuso que los argumentos giraran en torno a las técnicas, nunca lo suficientemente estudiadas, de los actores.
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Puntos de vista

Es un privilegio el poder dar a conocer el trabajo que desde finales de los años 60 Suzanne Osten ha desarrollado tanto en Suecia como en el resto del mundo, a través de presentaciones, giras, conferencias y workshops. El alcance de la obra de Suzanne se se debiera condensar en unas pocas palabras toda su obra hablaría de: riesgo, compromiso, comunicación, lucha y una inalterable apuesta por los olvidados dentro de los olvidados: los niños. Y junto a ellos los jóvenes. Es a ellos a los que Suzanne ha dedicado una enorme parte de su actividad creadora.
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El objeto de esta obra es el de definir el nuevo paradigma de la forma dramática que aparece hacia 1880 y que continúa hasta hoy en las dramaturgias contemporáneas. Se tiende así un puente entre las primeras obras de la modernidad en el teatro como las de Ibsen, Strindberg o Chejov, y las más recientes, ya se trate de las obras de Heiner Müller, Bernard-Marie Koltès o Jon Fosse. Jean-Pierre Sarrazac desvela la dimensión rapsódica del drama moderna: una forma abierta, profundamente heterogénea, en la que los modos dramático, épico y lírico, e incluso argumentativo (el diálogo filosófico que contamina al diálogo dramático), no dejan de ensamblarse o de solaparse. Lejos de compartir las ideas de “decadencia” (Luckàcs), de obsolescencia (Lehmann) o de la muerte del drama (Adorno), Poética del drama moderno dibuja contornos, siempre en movimiento, de una forma la más libre posible, pero que no es la ausencia de forma.
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La zanja

¿En qué momento compartimos el viaje que nos hizo ser tan iguales? ¿Cómo reprocharnos y atraernos tanto? La respuesta está en el tiempo pasado, en nuestros ancestros, en el recuerdo común que permaneció oculto. Porque en definitiva, hemos heredado las acciones de unos hombres sobre otros y las influencias sobre el colectivo. La Zanja refleja el encuentro entre dos mundos, ese ciclo infinito que se repetirá una y otra vez. Es un trabajo exhaustivo de creación, surgido de la documentación de las crónicas de la época y nuestros viajes al Perú actual.
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En enero de 2007 el diseñador Antonio Miró presentó en la Pasarela de Barcelona un desfile no exento de polémica con ocho inmigrantes sin papeles y una escenografía con una patera y cajas. De tal acontecimiento le surge la idea de la obra a López Llera, quien, a raíz del suceso siente la necesidad de reflexionar sobre el papel del artista en la sociedad del espectáculo2, sobre la validez y efectividad de las denuncias sociales a través del arte y sobre el sentido de su propia escritura. La pieza constituye una magnífica denuncia dramática de la banalización de la cultura y del espectáculo.
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La reinvención de Pere Sais ondea en el título de la obra: Hacia una poética del arte como vehículo. Grotowski, como se sabe, imaginaba que la “cadena” de las performing arts podía mantenerse tensa entre dos extremos: el arte como presentación por una parte y el arte como vehículo en el extremo opuesto. Al hablar de poética del arte como vehículo se realiza un salto epistemológico.
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