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Sáb, Jul

Siempre corriendo, pendientes del móvil

De Ste Xeito, que en castellano sería “De esta manera”, es una nueva compañía gallega que parece apostar por el género de la comedia popular actualizada, en busca de un formato comercial que intenta singularizarse en sus retratos paródicos de una sociedad urbana gallega, en tensión entre lo global y lo autóctono. Para ello ha contado con la joven dramaturga y directora Esther F. Carrodeguas, perteneciente a las últimas promociones de tituladas en dramaturgia por la ESAD de Galicia y, en poco tiempo, con una prolífica producción.

 

Fruto de esa colaboración, De Ste Xeito Producións, capitaneada por la actriz Stephy Llaryora, debutó en 2018 con la comedia Loló e mamá, interpretada por la propia Setephy y Josi Lage.

Y este año 2019 estrenaron la segunda comedia, el viernes 5 de abril, en el Auditorio Municipal de Vigo, titulada Running, con Stephy Llaryora y Sergio Macías.

La grada a tope de público, que, según parecía, disfrutó y rió con ganas de esta parodia de las prisas de la vida actual.

Si los personajes principales, Xulia y Román, son el yang y el ying de esta comedia, el yang ella y el ying él, el tercer personaje más presente son los teléfonos móviles.

Carrodeguas deja los estereotipos para una galería de personajes secundarios (las familias desestructuradas o reestructuradas de Xulia y Román), que también son interpretados por Stephy y Sergio, y genera un trepidante ritmo de comedia gracias a los múltiples cambios de personajes y de situaciones, en ese juego de transformismo que hace la actriz y el actor. O sea, forma parte de la eficacia del ritmo de comedia el hecho de que una actriz y un actor se multipliquen en varios personajes estereotipados, para ir y venir a los dos personajes principales, Xulia y Román, que son más individualizados.

Los diálogos son ágiles y chisposos, continuamente interrumpidos por las llamadas de teléfono y por los mensajes de Whatsapp.

Stephy Llaryora desborda energía y buen rollo y Sergio Macías una agradable facilidad y fluidez en cada acción. El actor consigue representar, con Román, una nueva masculinidad alejada de las hegemónicas, asumiendo una relación de igualdad. Sergio Macías logra la presencia y el tono de un hombre que, sin amaneramientos, es afectivo, cuidador, tierno sin empalago y seduce sin alardes ni chulería.

Aprovecho para hacer una digresión y recomendar el libro Novas masculinidades. O feminismo a (de)contruir o homem de Jorge García Marín (Através Editora, 2018), en el que podemos aprender algunas cosas, desde mi punto de vista, muy necesarias para una sociedad más justa y un poco más feliz. 

Cierro este paréntesis que ha venido al hilo de esta comedia en la que el personaje masculino principal, Román, se aproximaría a ese nuevo modo de entender la masculinidad.

La dramaturga le inyecta a la comedia todas las neurosis y temas de actualidad: la vida vegana, la vida contemplativa, la vida hiperactiva de los negocios y del marketing, trabajar y trabajar para tener dinero y consumir y no pensar, las familias desestructuradas, los diversos tipos de amor y de pareja, la educación progre de las hijas, el feminismo, el ecologismo, el galleguismo... Running corre con todo. Los personajes corren, sin tiempo para nada, con todo eso cargado en la mochila.

El escenario vacío, apenas cambios de luces y músicas alusivas a los diversos momentos y situaciones, el resto corre a cargo de la agilidad deportiva de Stephy y Sergio, cambiando de ropa, de pelucas y de accesorios, según el personaje y la escena.

El público, por lo que pude notar, mayoritariamente, encantado, riendo con este divertimento y, gracias a él, riéndose también de esta vida tan ocupada que llevamos, siempre con el Smartphone por el medio.

Afonso Becerra de Becerreá.

Obra: Running (Unha suorenta comedia De Ste Xeito). Texto, dramaturgia y dirección: Esther F. Carrodeguas. Elenco: Stephy Llaryora y Sergio Macías. Asesoría trabajo físico: Noelia Blanco. Diseño de iluminación: Javier Quintana. Compañía: De Ste Xeito Producións. Teatro: Auditorio Municipal de Vigo, 5 de abril de 2019. Estreno.

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NOVEDADES EDITORIALES

Los cinco continentes del Teratro

Querido lector, quisiera contarte aquí cómo nació la idea de este libro porque el origen, como sabes, es al mismo tiempo, el inicio y el fundamento. A fines del siglo pasado, estábamos sorprendidos de que nuestro libro El arte secreto del actor. Diccionario de antropología teatral –publicado por primera vez en 1983– continuara siendo editado y traducido en diferentes idiomas. Probablemente resultó eficaz su fórmula simple en la que textos e imágenes tienen la misma importancia, y uno constantemente remite al otro; las ilustraciones se volvían protagonistas para sostener un nuevo campo de estudios, la antropología teatral ideada por Eugenio. Si como estudioso del teatro yo había colaborado con la antropología teatral, ahora le pedía a Eugenio su participación en la vertiente de la Historia, con un libro que imaginábamos como un complemento del precedente. Aun teniendo que decidir toda la organización del libro, me respondió que era una buena idea y me propuso que los argumentos giraran en torno a las técnicas, nunca lo suficientemente estudiadas, de los actores.
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Puntos de vista

Es un privilegio el poder dar a conocer el trabajo que desde finales de los años 60 Suzanne Osten ha desarrollado tanto en Suecia como en el resto del mundo, a través de presentaciones, giras, conferencias y workshops. El alcance de la obra de Suzanne se se debiera condensar en unas pocas palabras toda su obra hablaría de: riesgo, compromiso, comunicación, lucha y una inalterable apuesta por los olvidados dentro de los olvidados: los niños. Y junto a ellos los jóvenes. Es a ellos a los que Suzanne ha dedicado una enorme parte de su actividad creadora.
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El objeto de esta obra es el de definir el nuevo paradigma de la forma dramática que aparece hacia 1880 y que continúa hasta hoy en las dramaturgias contemporáneas. Se tiende así un puente entre las primeras obras de la modernidad en el teatro como las de Ibsen, Strindberg o Chejov, y las más recientes, ya se trate de las obras de Heiner Müller, Bernard-Marie Koltès o Jon Fosse. Jean-Pierre Sarrazac desvela la dimensión rapsódica del drama moderna: una forma abierta, profundamente heterogénea, en la que los modos dramático, épico y lírico, e incluso argumentativo (el diálogo filosófico que contamina al diálogo dramático), no dejan de ensamblarse o de solaparse. Lejos de compartir las ideas de “decadencia” (Luckàcs), de obsolescencia (Lehmann) o de la muerte del drama (Adorno), Poética del drama moderno dibuja contornos, siempre en movimiento, de una forma la más libre posible, pero que no es la ausencia de forma.
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La zanja

¿En qué momento compartimos el viaje que nos hizo ser tan iguales? ¿Cómo reprocharnos y atraernos tanto? La respuesta está en el tiempo pasado, en nuestros ancestros, en el recuerdo común que permaneció oculto. Porque en definitiva, hemos heredado las acciones de unos hombres sobre otros y las influencias sobre el colectivo. La Zanja refleja el encuentro entre dos mundos, ese ciclo infinito que se repetirá una y otra vez. Es un trabajo exhaustivo de creación, surgido de la documentación de las crónicas de la época y nuestros viajes al Perú actual.
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En enero de 2007 el diseñador Antonio Miró presentó en la Pasarela de Barcelona un desfile no exento de polémica con ocho inmigrantes sin papeles y una escenografía con una patera y cajas. De tal acontecimiento le surge la idea de la obra a López Llera, quien, a raíz del suceso siente la necesidad de reflexionar sobre el papel del artista en la sociedad del espectáculo2, sobre la validez y efectividad de las denuncias sociales a través del arte y sobre el sentido de su propia escritura. La pieza constituye una magnífica denuncia dramática de la banalización de la cultura y del espectáculo.
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Hacia una poética del arte como vehículo de Jerzy Grotowski

La reinvención de Pere Sais ondea en el título de la obra: Hacia una poética del arte como vehículo. Grotowski, como se sabe, imaginaba que la “cadena” de las performing arts podía mantenerse tensa entre dos extremos: el arte como presentación por una parte y el arte como vehículo en el extremo opuesto. Al hablar de poética del arte como vehículo se realiza un salto epistemológico.
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