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Dom, Jul

Mirada de Zebra | Borja Ruiz
Creo haber estado el 22 junio de 1897 en el restaurante donde Nemirovich-Danchenko y Stanislavski discutían sobre lo que después sería el Teatro de Arte de Moscú, escuchando debajo de una mesa. Creo haberme escondido detrás de una de las columnas del Partenón de Atenas cuando Isadora Duncan, notoriamente intimidada ante tanta piedra alzada, era fotografiada por Edward Steichen. Creo haber presenciado un ensayo del laboratorio de Grotowski, agazapado en una sombría esquina, viendo una escena en la que Cieslak trabajaba sobre unas mesas y las hacía volar con una precisión inverosímil. Creo haber asistido a un curioso cabaret dirigido por el Dr. Dapertutto -el pseudónimo de Meyerhold cuando quiso trabajar al margen de los teatros imperiales- en un sórdido sótano de Moscú. Creo haber visitado todos estos lugares y haber vivido estas experiencias sin haberme levantado de la silla desde la que hoy escribo. Es lo que sucede con algunos libros, que frase a frase, historia a historia, viajas de la mano con ellos.

Hace unos años leí otro de esos libros capaces de transportar y transformar la imaginación de quien tiene interés por el teatro. Se trataba de "La preparación del director" de Anne Bogart. Allí descubrí un seductor discurso sobre lo que significa hacer teatro, una bella disertación sobre el proceso creativo que se abría entre la coherencia y el magma, entre la reflexión y el instinto, entre la rebelión y el compromiso. El libro, lejos de saciar mi ansia de conocimiento sobre su autora y sus actividades, lo encendió aún más. Al acabar la última página comencé a indagar más sobre Anne Bogart. Poco después descubrí su compañía, la SITI Company, y su particular forma de entrenamiento basado en los Puntos de Vista Escénicos y el Método Suzuki. A cada nueva lectura, mi interés fue incrementándose hasta hacerse insaciable. Para entonces el viaje metafórico a través de las palabras ya era insuficiente. Debía viajar a Estados Unidos para conocer el trabajo de Anne y la SITI Company en persona.

Así aterricé en Nueva York, hace ahora más de un año, con la intención de aprender y trabajar durante un mes intensivo con esta compañía. De los calcetines gruesos y los pantalones cortos del entrenamiento de Suzuki, a la ligera ropa de los Puntos de Vista Escénicos, pasando por el cuaderno y el bolígrafo de las clases de dramaturgia, mi estancia allí fue un cúmulo de múltiples experiencias, todas enriquecedoras. Entre ellas la más gratificante, al menos para mí, fueron las sesiones de "composición" con la propia Anne. Dichas sesiones consistían en la creación de piezas de unos diez minutos que tras una semana de ensayos mostrábamos a Anne y que ella, con un guante de seda y otro de metal, analizaba cuidadosamente tratando de dar las claves fundamentales para su mejor desarrollo. Todas las composiciones tenían como punto de partida a "Las troyanas" de Eurípides. La razón de esta elección era sencilla: la SITI Company debía estrenar al cabo de un año, en Los Ángeles, un espectáculo basado en dicha obra.

Hace poco leía un artículo sobre la compañía y su reciente nuevo espectáculo, que finalmente lleva como título "Trojan women (After Euripides)" [Las troyanas (Después de Euripides)]. El texto incluía una entrevista a Anne Bogart. En ella hablaba sobre los aspectos contemporáneos de la obra, sobre la nueva perspectiva que había aplicado el dramaturgo irlandés Jocelyn Clarke y, de forma más general, sobre las implicaciones que conlleva hacer teatro en estos tiempos tan impredecibles. "Hacer teatro es siempre violento. El coraje necesario para cometer un error es lo que hace que nos sintamos avergonzados y proviene del miedo a lo desconocido. Trabajar con el coraje y la fuerza propios de alguien que sabe lo que está haciendo es la paradoja en la que vivimos. Vivimos en permanente cambio", decía. Para guardar en el fichero.

Mientras leía el artículo, por un momento me pareció estar el 7 de septiembre en Los Ángeles, en el estreno de "Trojan women (After Euripides)". Diluido en algún lugar de las últimas filas del teatro, admiraba el mestizaje entre lo clásico y lo contemporáneo del espectáculo, la exuberante mezcla de sensibilidad y fuerza de sus actores, y la puesta en escena concebida no sólo desde un punto de vista artístico sino como una toma de posición comprometida ante la historia que se cuenta. Nada más acabar la función, de pie junto a otras sombras, me pareció estar aplaudiendo hasta quedarme sólo en el patio de butacas. Sólo un rato después me di cuenta de que no aplaudía, de que aquel ruido seco y atropellado no eran mis palmas chocando entre sí, sino el sonido de mis yemas golpeando contra el teclado.

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NOVEDADES EDITORIALES

Los cinco continentes del Teratro

Querido lector, quisiera contarte aquí cómo nació la idea de este libro porque el origen, como sabes, es al mismo tiempo, el inicio y el fundamento. A fines del siglo pasado, estábamos sorprendidos de que nuestro libro El arte secreto del actor. Diccionario de antropología teatral –publicado por primera vez en 1983– continuara siendo editado y traducido en diferentes idiomas. Probablemente resultó eficaz su fórmula simple en la que textos e imágenes tienen la misma importancia, y uno constantemente remite al otro; las ilustraciones se volvían protagonistas para sostener un nuevo campo de estudios, la antropología teatral ideada por Eugenio. Si como estudioso del teatro yo había colaborado con la antropología teatral, ahora le pedía a Eugenio su participación en la vertiente de la Historia, con un libro que imaginábamos como un complemento del precedente. Aun teniendo que decidir toda la organización del libro, me respondió que era una buena idea y me propuso que los argumentos giraran en torno a las técnicas, nunca lo suficientemente estudiadas, de los actores.
Precio : Próximamente

Puntos de vista

Es un privilegio el poder dar a conocer el trabajo que desde finales de los años 60 Suzanne Osten ha desarrollado tanto en Suecia como en el resto del mundo, a través de presentaciones, giras, conferencias y workshops. El alcance de la obra de Suzanne se se debiera condensar en unas pocas palabras toda su obra hablaría de: riesgo, compromiso, comunicación, lucha y una inalterable apuesta por los olvidados dentro de los olvidados: los niños. Y junto a ellos los jóvenes. Es a ellos a los que Suzanne ha dedicado una enorme parte de su actividad creadora.
Precio : Próximamente

Poética del drama moderno

El objeto de esta obra es el de definir el nuevo paradigma de la forma dramática que aparece hacia 1880 y que continúa hasta hoy en las dramaturgias contemporáneas. Se tiende así un puente entre las primeras obras de la modernidad en el teatro como las de Ibsen, Strindberg o Chejov, y las más recientes, ya se trate de las obras de Heiner Müller, Bernard-Marie Koltès o Jon Fosse. Jean-Pierre Sarrazac desvela la dimensión rapsódica del drama moderna: una forma abierta, profundamente heterogénea, en la que los modos dramático, épico y lírico, e incluso argumentativo (el diálogo filosófico que contamina al diálogo dramático), no dejan de ensamblarse o de solaparse. Lejos de compartir las ideas de “decadencia” (Luckàcs), de obsolescencia (Lehmann) o de la muerte del drama (Adorno), Poética del drama moderno dibuja contornos, siempre en movimiento, de una forma la más libre posible, pero que no es la ausencia de forma.
Precio : Próximamente

La zanja

¿En qué momento compartimos el viaje que nos hizo ser tan iguales? ¿Cómo reprocharnos y atraernos tanto? La respuesta está en el tiempo pasado, en nuestros ancestros, en el recuerdo común que permaneció oculto. Porque en definitiva, hemos heredado las acciones de unos hombres sobre otros y las influencias sobre el colectivo. La Zanja refleja el encuentro entre dos mundos, ese ciclo infinito que se repetirá una y otra vez. Es un trabajo exhaustivo de creación, surgido de la documentación de las crónicas de la época y nuestros viajes al Perú actual.
Precio : 10€

Pasarela Senegal

En enero de 2007 el diseñador Antonio Miró presentó en la Pasarela de Barcelona un desfile no exento de polémica con ocho inmigrantes sin papeles y una escenografía con una patera y cajas. De tal acontecimiento le surge la idea de la obra a López Llera, quien, a raíz del suceso siente la necesidad de reflexionar sobre el papel del artista en la sociedad del espectáculo2, sobre la validez y efectividad de las denuncias sociales a través del arte y sobre el sentido de su propia escritura. La pieza constituye una magnífica denuncia dramática de la banalización de la cultura y del espectáculo.
Precio : 10€

Hacia una poética del arte como vehículo de Jerzy Grotowski

La reinvención de Pere Sais ondea en el título de la obra: Hacia una poética del arte como vehículo. Grotowski, como se sabe, imaginaba que la “cadena” de las performing arts podía mantenerse tensa entre dos extremos: el arte como presentación por una parte y el arte como vehículo en el extremo opuesto. Al hablar de poética del arte como vehículo se realiza un salto epistemológico.
Precio : 24€