Velaí! Voici! | Afonso Becerra

AFONSO BECERRA DE BECERREÁ (Becerreá, 1973)Dramaturgo y Director de escena. Doctor en Artes Escénicas por la Universitat Autònoma de Barcelona. Titulado Superior en Arte Dramático por el Institut del Teatre de Barcelona, en la especialidad de Dirección Escénica y Dramaturgia. Titulado en Interpretación por el ITAE de Asturias. Premio Álvaro Cunqueiro de la Xunta de Galicia. Ejerce la docencia en la Escola Superior de Arte Dramática de Galicia.Además de artículos y colaboraciones en diversos volúmenes colectivos, ha publicado, como dramaturgo y ensayista, las siguientes obras: Textículos dramáticos e posdramáticos (Laiovento, 2013 e 2014), Roberto Vidal Bolaño e o xogo do teatro (Laiovento, 2012), 9999 en Banqueiros de Francisco Pillado Maior [Coord.] (Laiovento, 2012), Dramatículas (Laiovento, 2010), É un dicir (Revista das Letras. Nº 833. 19/08/10. Galicia Hoxe), Crio-Xénese (Laiovento, 2007), Dramaturxia. Teoría e práctica (Galaxia, 2007), Rexurdimento (RGT, 2006), O ritmo na dramaturxia (Universidade da Coruña, 2005) e Agnus Patris (Xerais, 2002).Como traductor publicó Un pé xigante esmágaos a todos, de Xavi Morató (RGT Nº 83, 2015), Mata o teu alumno, de Carles Mallol (RGT Nº 79, 2014), O principio de Arquímides de Josep Maria Miró Coromina (RGT Nº 71, 2012), por el que recibe el Premio María Casares (2016), O tempo de Lluïsa Cunillé (RGT Nº 67, 2011), Na meta de Thomas Bernhard, en colaboración con Ana Contreras (Difusora das Letras, Artes e Ideas, 2010), A muller que perdía todos os avións de Josep Maria Miró Coromina (RGT Nº 63, 2010), Esquecer Barcelona de Carles Batlle (RGT Nº 59, 2009), Oasis de Carles Batlle (RGT Nº 55, 2008), O show de Kinsey de Jesús Díez (RGT Nº 54, 2008), Origami de Carlos Be (RGT Nº 50, 2007).En 2009 fundó, junto a Ana Contreras, la Cía. ÓNFALO TEATRO S.L. con la que estrenaron “Neuras” de Mª Xosé Queizán (Auditorio de Cangas, 18/11/09), y “NA META (Sálvese quen poida)” de Thomas Bernhard (MIT Ribadavia, 17/07/10). Anteriormente trabajó en los espectáculos: “Rosalía 21” (Producciones Bles S.L. Teatro Mella de La Habana, 23/02/08), “Porno” de Dani Salgado (Teatre Lliure de Barcelona, 22/04/04), “Assaig Obert” de Dani Salgado (Teatre Lliure de Barcelona, 2003), “¿Tiene fantasmas este castillo?” de Jordi Ardid (Històrica Produccions S.L. de Barcelona. Castell de Montjuïc, 15/07/02), “Paraules i records de Mossen Cinto Verdaguer” (Històrica Produccions S.L. de Barcelona. Vil·la Joana, 09/06/02), “Macbeth” de Shakespeare (Teatre Malic de Barcelona, 06/06/02), “Cavallitus” de Antonio Morcillo (Teatre Nacional de Catalunya. 32 Festival Internacional de Teatre de Sitges, 09/06/01), “Rexurdimento. Visións dun cego” (Nove Dous Teatro S.L. Auditorio do Carballiño, 15/10/2000), “La barca nova” de Ignasi Iglesias (Teatre Nacional de Catalunya, 06/10/99), “La doma de la furia” de W. Shakespeare (ITAE de Asturias. Palacio Valdés de Avilés, 14/06/96), “El porque de las cosas” de Quim Monzó (ITAE de Asturias. Sala Quiquilimón de Xixón, 04/03/96).Pertenece al Consejo de Redacción de la RGT (Revista Galega de Teatro) y es colaborador, entre otras publicaciones, de la revistas de artes escénicas ARTEZ, Primer Acto, Danza en escena. De 2006 a 2009 formó parte del Consejo Asesor del CDG (Centro Dramático Galego). Es uno de los fundadores, en 2015, de DramaturGA, Asociación Galega de Dramaturxia. Vocal de la Sección de Literatura Dramática de la Asociación de Escritoras/es en Lingua Galega (AELG).Además dirige la Asociación Cultural A Pipa de Becerreá desde 1988, que organiza el Certame Literario da Alta Montaña Luguesa y las Noites Poéticas inauguradas por Uxío Novoneyra en 1996.

 

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    La memoria es importante. La memoria es importante en todos los ámbitos. Se dice, incluso, que el cuerpo tiene memoria. El cuerpo tiene memoria, recuerda los golpes y las caricias, y reacciona desde esa memoria. La memoria es el depósito de la identidad. La memoria es un mecanismo de supervivencia, porque nos permite adelantarnos a los hechos, prever, anticipar, prevenir… La memoria es raíz. La memoria nos enraíza y nos aporta la estabilidad necesaria para romper con el pasado, o no, y para lanzarnos hacia un futuro prometedor. En función de la memoria, de su consciencia, el futuro es menos incierto y más nuestro. La memoria nos da poder e impugna el destino arbitrario. La memoria es importante. La memoria de la danza es importante. La memoria de la danza construye un cuerpo comunitario. El arte de la danza necesita de la memoria para constituirse y crecer. En Galicia las instituciones públicas llevan unos cuantos años abdicando de su responsabilidad con las artes escénicas y, en concreto, con la danza. Ellas, las instituciones públicas que nos representan, deberían cuidar y custodiar el patrimonio de las artes escénicas. En un país civilizado esto es algo lógico, sin embargo en Galicia no…

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      Cuando nos referimos a lo contemporáneo en artes escénicas, solemos aludir a aquellas piezas que renuncian a los patrones convencionales que la tradición ha ido estableciendo. Otra de las características de la contemporaneidad en las artes escénicas tiene que ver con el aguzamiento de lo mestizo. La hibridación siempre ha estado presente en las artes. En el teatro, por ejemplo, podemos encontrar escenas cómicas en el seno de una tragedia, pensemos en la obra de Shakespeare. Nunca han existido, por tanto, los géneros puros. La hibridación, en la contemporaneidad, ha pasado también a las modalidades: la danza contemporánea es teatro contemporáneo y viceversa. Lo que queda fuera de lo decible, de lo narrable, de lo explicable, es, bajo mi punto de vista, la materia de la danza y el teatro, consideradas como “artes vivas”. Casi me atrevería a afirmar que lo decible, lo explicable, lo narrable, encima del escenario, quizás pueda dar pie al ameno cuenta cuentos, al seductor placer de la narración oral o al cautivador arte de la retórica, pero producirá poco movimiento escénico. La palabra explicará o sugerirá lo que nuestra imaginación escenificará. Cuanta más economía de movimientos escénicos, más riqueza en el montaje imaginario que…

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    La primavera de la vida. La juventud. Hormonas en plena ebullición. Más futuro que pasado. Más sueños, ilusiones y planes que recuerdos. La juventud y la revolución. La necesidad de que el mundo vaya a mejor depende, en gran medida, de la juventud, de su preparación, de sus energías, de su capacidad para producir cambios que contribuyan al progreso. El Teatro Municipal do Porto (TMP), que dirige Tiago Guedes, en su apuesta por las artes preformativas, el teatro y la danza contemporáneos, siempre está atento, no solo a los grandes maestros, a las grandes maestras, sino también a las nuevas generaciones de artistas que traen consigo una mirada diferente a la ya canonizada por la tradición y la costumbre. En el mes de marzo, el viernes 23 y el sábado 24, tuvimos la oportunidad de ver dos trabajos sobre la juventud, realizados por jóvenes. El primero, Momentos of Young People, es una pieza de una de las figuras más relevantes de la danza contemporánea a nivel internacional: Raimund Hoghe. El segundo, Maioria Absoluta, es una coproducción del TMP con la Cía. Teatro Experimental do Porto (TEP), con dirección del joven Gonçalo Amorim, con dramaturgia de Rui Pina Coelho. Maioria Absoluta…

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    Es un placer constatar que la academia no solo es un lugar para la transmisión del conocimiento, sino que, en el caso de las artes escénicas, también lo es para la experimentación. El 4, 5 y 6 de abril de 2018, la Licenciatura em Teatro de la Universidade do Minho (Portugal) organizó la cuarta edición del Festival Oh! Con su sede en las antiguas fábricas de curtidurías de Guimarães, en el Campus de Couros, el Instituto de Letras e Ciências Humanas de la Universidade do Minho, al que pertenece la Licenciatura em Teatro, organiza un encuentro en el que participan artistas, profesoras/es, y alumnado de diferentes procedencias y escuelas, lo cual genera un hervidero de conocimiento. El Festival Oh! no es un festival de teatro universitario, ni un aparador en el que se exhiben espectáculos. Como el propio título del evento indica, es un encuentro abierto a la sorpresa, al “Oh!” de quien se maravilla o se asombra, de quien aprende. Es por eso, quizás, que la mayoría de las propuestas de su programa: Masterclass, cursos, presentaciones de procesos creativos, performances, espectáculos, charlas y debates, se orientan, principalmente hacia las artes performativas y las teatralidades posdramáticas. En mi opinión, una…

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    A veces pensamos que la fantasía es algo desvinculado de esa cosa tan seria que llamamos realidad. A veces pensamos que la fantasía es, simple y llanamente, un intento de evasión. Sin embargo, al margen de su condescendencia, la fantasía siempre filtra un reflejo de una ideología y unos valores, promocionándolos explícitamente o de manera subrepticia. Se me ocurre el ejemplo de Walt Disney y su propagación, a través de fantasiosas ficciones, de los valores de una sociedad heteropatriarcal. Del mismo modo, la fantasía también puede cuestionar la propia creación artística, insiriendo una dimensión autocrítica, examinando la identidad, la herencia cultural y el propio destino, como acontece en la alucinante obra de Dimitris Papaioannou. Por otra parte, también podríamos asociar fantasía a ciencia ficción. Cuando pensamos en la ciencia ficción, casi como un acto reflejo, consideramos que se trata de un género propio del cine o de la novela. Nos puede parecer, incluso, que la ciencia ficción depende, exclusivamente, de medios técnicos sofisticados que cuestan mucho dinero y que son deudores de los avances científicos. Y sí, es cierto, la posibilidad de ir más allá en la composición y en la formalización artística siempre ha estado ligada a la investigación…

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    Vemos a una mujer elegante, de melena larga, con un abrigo negro, camina con sus zapatos de tacón bajo, con una realidad escénica intensa y misteriosa. No camina por caminar. Tampoco lo hace con una intención dramática ostensible y deducible. Camina con una realidad escénica intensa y misteriosa. Es un caminar sencillo, pero imprescindible. Igual que lo es detenerse, mirar hacia los lados, reemprender la marcha, detenerse apoyándose en la pared, sacar las manos de los bolsillos del abrigo y que esas manos parezcan adquirir vida propia.  Una mujer de figura frágil, delgada, en una edad que no corresponde a la que presuponen los cánones del exhibicionismo y esfuerzo dancístico. Esa mujer es Carmen Werner. Única, como cualquier mujer, como cualquier hombre. Única en su mismidad personal y artística. Con una correspondencia entre ambas que no se empaña por modas o tendencias que la velen. La danza y el escenario siempre pueden ser una tentación para vestir con un correlato objetivo a la persona, que actúe como máscara ficcional superpuesta. La danza, el teatro, el escenario, pueden provocar esa búsqueda del efecto explícitamente seductor o provocativo, el alarde artístico que eclipsa a la persona. En la danza de Carmen Werner…

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    Si animamos la plástica, los colores, las formas, las luces, los cuerpos, surgirá una danza que nos congregará. Ese tipo de relación fundada en el movimiento nos conduce, de otra manera, hacia una comunidad habitada por el ritual que invoca algo más allá del aquí y ahora. El movimiento afirma el aquí y ahora al mismo tiempo que lo trasciende en esa invocación ritual de la danza. Las presencias físicas se afirman, las identidades se disipan y se invisten de otras calidades y temperaturas, de otras figuras. El sábado 3 de marzo de 2018 acudí al Auditorio Campo Alegre, del Teatro Municipal do Porto (Portugal), para ver su coproducción con la compañía lisboeta Teatro Griot, titulada Que Ainda Alguém Nos Invente, que se había estrenado la víspera. Teatro Griot está formado por la actriz Zia Soares, nacida en Bié, Angola, y los actores Daniel Martinho, Gio Lourenço y Matamba Joaquim, los tres nacidos en Luanda, Angola. Su origen étnico no es gratuito, casi nunca lo es para nadie, porque la compañía explora, a través de su estética y de su discurso, las identidades desterritorializadas que circulan por Europa. África y Europa en las tensiones que derivan de la memoria y…

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    La Companhia Nacional de Bailado (CNB) de Portugal, el Maria Matos y el São Luiz Teatro Municipal de Lisboa, se han juntado para presentar el  “Ciclo Tânia Carvalho – Vislumbres de 20 anos a fazer orquéstica no reverso das palavras (uma lentidão que parece uma velocidade).” Se apunta en el extenso título de este ciclo una dimensión sinestésica e híbrida, entre danza, música e imagen. Se apunta, además, la voluntad de jugar más allá de las especificidades de la danza y que el juego nos transporte, también, a otros lugares. El domingo, 25 de febrero de 2018, acudí al Teatro Camões de Lisboa, actual sede de la CNB, para asistir al programa formado por 3 piezas de Tânia Carvalho: Olhos Caídos (2010), A Tecedura do Caos (2014) y S (2018). No es la primera vez que veo piezas de esta coreógrafa y escribo sobre ellas. La última había sido el estreno de Captado pela Intuição, el 4 de febrero de 2017, y anteriormente A Tecedura do Caos, el 14 de febrero de 2015, ambas dentro de la programación del GUIdance, Festival Internacional de Danza Contemporánea de Guimarães. Puede leerse al respecto, en esta misma sección de Artezblai, los artículos titulados:…

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    Estructuras políticas, que rigen una buena parte del mundo, como la venerada democracia, tienen unos orígenes cuya re-visión, en cierto modo, nos puede iluminar sobre ciertos aspectos controvertidos del presente. Por ejemplo, la imposición de la mayoría, o la colonización cultural y lingüística, vía globalización. Remontarse al pasado, casi legendario aunque sea relativamente reciente, de una de las democracias más influyentes y poderosas del planeta, como es la de los Estados Unidos de América, nos puede sorprender al descubrir aspectos que, de alguna manera, siguen irradiando no solo aquellas latitudes, sino que se han ido expandiendo a otras democracias más antiguas. Uno de los directores y dramaturgos que cuestiona constantemente el teatro en sus límites, ahondando en imágenes fascinantes y complejas, es el italiano Romeo Castellucci. Su última pieza, Democracy in America, se inspira libremente en la obra de Alexis De Tocqueville titulada De La Démocratie en Amérique (1835) y nos ofrece una reflexión estética y fulgurante sobre las formas de sociedad de la raza humana. São Luiz Teatro Municipal de Lisboa es una de las instituciones que coproducen Democracy in America de Romeo Castellucci y fue, precisamente, en este teatro donde pude ver el espectáculo, el 24 de febrero…

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    Entrar en el teatro casi siempre implica una detención del tiempo ajetreado común, para ingresar en otras dimensiones temporales. Para que se produzca esta transición, del tiempo común hacia otras dimensiones temporales, no es necesario recurrir a una ficción armada desde las típicas convenciones de la narratología. O sea, no es necesario componer un tiempo ficticio (dramático), que remita al tiempo diegético de una fábula que lo justifique. No se trataría de ilustrar o representar un momento o un tiempo de ficción sino, sobre todo, de cambiar nuestra vivencia del tiempo. Al cambiar nuestra vivencia del tiempo, cambia, también, nuestra noción del mismo y, por extensión, nuestra disponibilidad se abre. Por ejemplo, Robert Wilson, con su Theatre of Images consigue generar esta transición en la vivencia temporal, a través de la ralentización (slow motion) del movimiento actoral, la yuxtaposición y simultaneidad de acciones escénicas, que generan un paisaje (landscape play) y la des-subjetivización o objetualización de las personas en el escenario, que se integran, en un diálogo rítmico, con otras acciones objetuales, sonoras y lumínicas. En una tónica muy diferente a la del director tejano, el dramaturgo y director francés Philippe Quesne, también se inscribe en ese tipo de teatro…

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