Un cerebro compartido | Miguel Ribagorda

Dramaturgo, director de escena e investigador teatral. Doctor en estudios teatrales por la Universidad Complutense de Madrid, Ingeniero de telecomunicaciones por la Universidad Politécnica de Madrid y Diplomado en economía de la salud por la Universidad Autónoma de Madrid. Actualmente es director de escena asociado a la ADE y ha sido profesor asistente en el laboratorio de biotecnología de la universidad de Mannheim, Alemania y profesor asistente de psicología Básica en la Facultad de Psicología, UCM. Desde 2013 es el director artístico de la compañía Ópera Divertimento desde la que se dirige producciones operísticas para público familiar. En septiembre de 2019 lanza LICES, Laboratorio de Investigación y Creación Escénica, plataforma desde la que aborda la creación y el estudio de la comunicación teatral con un enfoque centrado en las neurociencias cognitivas. En 2019 la Unión Europea (UE) le ha otorgado un sello de excelencia por su proyecto para la incorporación de las neurociencias cognitivas en los estudios de artes escénicas en países pertenecientes a la UE. Sus obras y adaptaciones se han programado en España, México, Costa Rica y la República Checa. Entre otros, ha trabajado en el CDN, el Teatro Español y teatros por todo el territorio español. Ha publicado en distintas revistas siempre en torno al papel de las neurociencias y las ciencias cognitivas en su confluencia con el arte escénico.

 

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    Congreso CIJIET 2020

    Del 20 al 23 de octubre de este extraño 2020, se ha celebrado en Madrid el quinto Congreso Internacional de Jóvenes Investigadores en Estudios Teatrales. Bueno, no, en Madrid no, en Zoom. Por lo menos íbamos sin mascarilla y hemos tenido ocasión de dialogar cara a cara aunque, eso sí, amortiguados por las pantallas… en fin, es lo que toca. La organización, excelente. Las charlas, unas interesantes, otras menos, pero en general ha sido de lo mejor a lo que he asistido en este tiempo de pandemia. Yo tuve ocasión de participar con dos ponencias en las que continúo bregando por la necesidad de que este arte tan antiguo no se quede anticuado buscando acercar nuevos saberes al teatro para redefinirlo. 

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    No vale cualquier teatro

    Hace ya días que volví al teatro como espectador y he tenido ocasión de ver un par de producciones. Quiero hablar de una de ellas donde me sentí traicionado. Y preocupado. No entendí ni la dirección de escena, ni el trabajo actoral, ni a mis vecinos de butaca que, puestos en pie, celebraron una función que un análisis juicioso debería suspender por carecer prácticamente de todos los elementos con los que se nos convoca al teatro. Y esto me hizo reflexionar sobre qué esperamos cuándo nos sentamos en la butaca y se apagan las luces.

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    Teatro democrático

    1876. En Bayreuth, Alemania, se inaugura el Bayreuther Festspielhaus (Teatro de los festivales de Bayreuth) financiado por el rey Luis II de Baviera en cuyo diseño y construcción toma parte Richard Wagner. El compositor, director de orquesta, poeta, ensayista, teórico musical, dramaturgo, escenógrafo y libretista estaba convencido de gozar del beneplácito del pueblo alemán y afirmaba que sus composiciones eran el máximo exponente artístico. Su famoso Gesamtkunstwerk (obra artística total) era lo más de lo más en la exaltada época del Romanticismo del XIX.

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    Teatro sin ambigüedad, chocolate sin azúcar

    Partamos de una hipótesis: La calidad de una propuesta escénica está relacionada con el grado de activación que ésta genera en el cerebro del espectador, quien, inmerso en un juego de significantes y significados explícitos o sugeridos, es estimulado perceptivamente en un grado que abarca desde la inactividad hasta la renuncia temporal de su yo. En ese abanico, la ambigüedad es un factor determinante para conseguir espectadores activos.

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    La nueva realidad genera nuevas experiencias

    En estos, ya meses, que han pasado desde que convivimos con este bichito tan simpático, estoy teniendo tiempo para reflexionar sobre las raíces científicas y filosóficas de una representación teatral. Y para compartirlo, me pongo el sombrero de las ciencias cognitivas y su aplicación al arte escénico. 

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    ¿Por qué es tan difícil ser un buen actor?

    Es una sana costumbre salir de una función y rumiarla, paladearla en grupo y desgranarla para terminar de digerirla. Y es una costumbre muy española que en esta digestión pongamos a parir a los actores. Y que nadie se ofenda, escribe un actor.

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    Creación holística, por favor

    Hace años que asistimos a un incremento de elementos tecnológicos en el campo del arte, la cultura en general y el teatro en particular. La tendencia digital reestructura los modelos de producción y creación teatral siendo hoy habitual producciones con menos elementos físicos y más recursos digitales. Esto, que es inevitable y corresponde a una convergencia natural de tecnología y arte del que la producción teatral saca provecho, podría servir como ejemplo a los propios creadores para abrir espacios de creación que combinen sus saberes con elementos de otras áreas; si hay convergencias en la exhibición, podría (debería) haberlas en la creación.

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    La importancia de llamarse… director

    Tan importante como la de llamarse Ernesto… o más. La poética del director es la que exudan los poros del intérprete cuando se apropia del personaje inventado por el autor. Es la que se respira en el espacio de luces y sonido, es, en definitiva, la que amalgama la puesta en escena. Y es por eso que se me revuelve algo por dentro cuando leo declaraciones de directores que “se arrodillan” ante textos y “lo dejan fluir” porque, de por sí, ya son obras de arte.

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    ¿La obra? ¡Maravillosa! Pero me he aburrido, ¿por qué?

    Es posible que alguna vez hayamos oído eso de que el teatro me aburre. Lo puedo entender, a mí también me pasa. La sensación de tedio con la que se castiga al espectador en algunas producciones no se va hasta que se sale del teatro, es como ese olor a fritanga de algún restaurante que se pega a la ropa y no se va hasta que se lava. Quien lea estas líneas pensará que esto se puede deber a varios factores: la dramaturgia, la dramaturgia escénica, una interpretación deficiente, una mala dirección, una iluminación que no ayuda o un espacio sonoro que molesta. Estos y más son todos elementos que condicionan la recepción de un trabajo para que me aburra (o no), pero falta uno: yo (la figura del yo espectador, quiero decir).

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    Teatro y ciencia… ¿sacrilegio o necesidad?

    Llevo un tiempo queriendo escribir sobre la intersección entre la ciencia y el teatro y casualmente, hace unos días, leía un tweet de alguien a quien admiro: “La capacidad de soñar sigue siendo demasiado profunda como para desentrañar con técnicas su sentido, el arte es la verdad que no puede verificar la ciencia”.

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