El Colectivo D’elas abre el festival Escenas do Cambio con el estreno de ‘Velaiquich, amoorch!’

La edición 2025 del Festival Escenas do Cambio, titulada Lostopía, se construye en torno a 16 actos

El Colectivo D’elas abre el festival Escenas do Cambio de Santiago de Compostela el jueves 8 de mayo a las 16:30 con su nuevo espectáculo Velaiquich, amoorch!, una creación de improvisación y música en directo. Se trata de una propuesta escénica para espacios no convencionales con música en directo y tres creadoras de movimiento en escena. Este proyecto nace de la necesidad de traer la esencia de las danzas urbanas a un proyecto contemporáneo.

Este espectáculo apuesta por la conexión como centro del proyecto. La conexión con otros cuerpos, con el sonido, con los entornos y paisajes públicos como motor de la composición instantánea. Las convergencias y lo instantáneo como base sobre la que componer. Con un equipo muy vinculado a las nuevas tendencias, este proyecto pretende estar siempre en la nueva actualización. Subirse a lo absurdo de la continua renovación, del cambio constante, de lo inmediato, y apropiarnos así de este momento histórico caracterizado por la sobreactualización.

Velaiquich, amoorch! incluye aspectos esenciales de la cultura de las danzas urbanas y club en la creación contemporánea. La improvisación y la relación directa y profunda con la música en la inmediatez del «aquí y ahora» son el germen del que nacen estos estilos urbanos y club, los cuales se ven representados habitualmente en contextos de jams de omprovisación, batallas y fiestas donde no existe nada preestablecido, el único motor es la música y la reacción inmediata del corpo frente a la misma.

Velaiquich, amoorch! está dirigido por Julia Laport e interpretado por Myriam González, Eloi García, Andrea Castro y MounQup, que además de interpretar se encarga del espacio sonoro en directo. D’elas es un colectivo de danza integrado por diez artistas emergentes gallegas: Andrea
Castro, Eloi García, Martín Sanjurjo, Myriam González, Nerea Balado, Julia Laport, Sabela
Domínguez, Iria Casal, Noelia Mato Y Diana Monserrat. Se juntan en septiembre del 2020 por la necesidad de desarrollar a través de la colectividad, de crear puentes entre artistas del movimiento y de llevar los lenguajes de las danzas urbanas a escena. D’elas representa la resistencia. En un contexto social y cultural donde juntar un grupo tan grande de artistas en un proyecto profesional resulta casi
utópico, este colectivo encuentra su potencialidad en la unión y en la fuerza conjunta.

En agosto de 2021 estrenan OCCO, dirigida por Julia Laport y Sabela Domínguez. En mayo de 2022, OCCO es una de las cinco piezas finalistas del Certamen Coreográfico de Compostela. En 2024 estrenan, Es difícil fotografiar el vacío, donde Julia Laport lleva la dirección de un elenco de seis bailarines y bailarinas (Andrea Castro, Iria Casal, Eloi García, Myriam González, Noelia Mato y Martín Sanjurjo) con la iluminación de Nacho Martín y el espacio sonoro de LLXNTO y Bruno Baw.

Este 2025 estrenan con un formato innovador para calle y espacios no convencionales Velaquich, amoorch!, espectáculo de danza urbana y creación instantánea. Las componentes de D’Elas provienen de las danzas urbanas y danzas club, entre las que destacan el House, el Waacking, el Hip Hop y el Popping; compaginando esto con formación en danza contemporánea. Son además integrantes de otras compañías de creación escénica.

Festival

La edición 2025 del Festival Escenas do Cambio, titulada Lostopía, se construye en torno a 16 actos que, a través de una dramaturgia escénica, tejen relaciones entre artistas, obras y públicos, conectando historias y voces para trazar un mapa de las inquietudes y anhelos de nuestro tiempo. Cada obra seleccionada explora, de manera singular, las tensiones entre memoria, identidad, resistencia y transformación, componiendo una narrativa colectiva donde cada artista y cada pieza son esenciales. Esta edición invita al público a sumergirse en un presente expandido, un espacio entre la nostalgia y la utopía, donde las artes desdibujan las fronteras entre lo personal y lo colectivo, lo efímero y lo eterno.

En Solala, Amalia Fernández nos guía por una exploración íntima a través de tres piezas: Familia, que vincula la memoria familiar con la narración visual; Bailar el problema, una inmersión en la identidad cultural a través del movimiento; y Caja de cuadraditos, una reflexión sobre el arte como experiencia compartida. En esta misma línea introspectiva, La María o la espeluznante seducción de una canción de amor, de Raissa Avilés, transforma las canciones de amor en actos de resistencia subversiva, despojándolas de su romanticismo convencional para revelar su carácter libertario y transgresor.

También exploradoras de la memoria y de lo íntimo serán VACAburra, que presentan un avance de su nuevo proyecto, Familia Nijinska, con el que proponen nuevas formas de transmitir y reflexionar sobre la memoria artística y la salud mental, utilizando el dibujo en vivo y el archivo visual para entrelazar lo teórico y lo corporal.

En el ámbito de la identidad y el territorio, Black Through Red y I’m not an Influencer (Schwarzenegger exterminó mi futuro), de Reinaldo Ribeiro, componen dos capítulos de un tríptico que utiliza el color rojo como eje simbólico de resistencia, herencia y pasión, abordando temas como la migración, la violencia, la periferia y las narrativas decoloniales.

Por su parte, Exposure, de Julio César Iglesias Ungo y Hans van den Broeck con música en vivo del prestigioso compositor y músico de cine Ben Frost, nos sumerge en un espacio de confrontación entre alienación tecnológica y la comunidad. Este montaje integra fuerza física, innovación escénica y reflexión filosófica, destacando la participación del recién creado Urban Arts Ensemble Ruhr y la veterana compañía Danza Contemporánea de Cuba, ganadora de más de 70 premios en todo el mundo.

En Fuga para o tempo presente, Nuisis Zobop utiliza la danza y la filosofía para habitar la fragilidad del presente, explorando conceptos de impermanencia y finitud como formas de resistencia frente a las crisis contemporáneas.

La experimentación sonora y el movimiento son también pilares de esta edición. So de Cop, de Arnau Obiols, transforma elementos naturales y dispositivos mecánicos en una sinfonía visual y sonora que redescubre la belleza y el misterio de lo cotidiano.

Ruido, de Ça marche, es una instalación participativa que invita al público a ser creador activo, utilizando el arte foley para completar la ausencia sonora y reflexionar sobre las narrativas colectivas que construimos.

El espacio arquitectónico privilegiado de la Cidade da Cultura cobra protagonismo en Baunsbak, de Elvi Balboa. Una intervención site-specific que intensifica la relación entre cuerpo y arquitectura, permitiendo al público experimentar el entorno del Gaiás a través del movimiento y el sonido.

En Worn Out, de la compañía surcoreana Chumpan Yamoo, el tiempo y el desgaste son el centro de una meditación poética que cuestiona nuestra percepción de lo inanimado, reflexionando sobre la pérdida, la adaptación y la transformación.

Velaiquich, Amoorch!, del Colectivo D’elas, celebra las culturas emergentes y examina la sobreactualización de nuestro tiempo. La obra reivindica la espontaneidad como motor creativo, integrando bailes urbanos y colectivos locales, ampliando así su conexión con el territorio.

En un plano emocional, Roland mon amour, de Funboa Escénica, combina música electrónica, movimiento y vulnerabilidad para convertir el teatro en un acto de conexión íntima y compartida.

Finalmente, I’m not a Hero, de Fluctus, utiliza humor y teatro físico para destacar los dilemas éticos y sociales de nuestra época, entrelazando idealismo y banalidad con una mirada crítica.

En esta undécima edición, el Comando Dramatúrgico reafirma su papel como un laboratorio/escuela de experimentación, donde un equipo multidisciplinar crea una narrativa expandida del festival en diálogo con los espectáculos y el público asistente. A través de la observación, el análisis y la intervención dramatúrgica, amplificarán la experiencia escénica con diversas propuestas. Sin estructuras fijas, su desarrollo será dinámico y colaborativo, trazado junto a artistas, investigadoras, Afonso Becerra como coordinador y la dirección del festival.

Como cierre, Mercedes Peón ofrecerá un concierto-manifiesto en formato online, reafirmando la vocación del festival de romper fronteras y consolidarse como un referente de vanguardia.