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Mié, Jun

Transgresora versión sobre el abuso de poder

 

Los MOSUO son una de las pocas sociedades matrilineales y matriarcales que quedan en el mundo. Esta etnia que basa su eje existencial en el libre albedrío femenino, nos siembra la primera dicotomía de la pieza, enfrentándose con la estructura actual de nuestra sociedad, el patriarcado. Será una constante jugar con la diferencia de los opuestos de una manera extrema y ridiculizadora por momentos satirizando unos roles de género estereotipados, alterados e INVERTIDOS. Una vuelta de tuerca para imbuir al público en las relaciones tóxicas construidas sobre el abuso de poder. 

 

La dominancia de hombres y mujeres, núcleo temático de la pieza, se manifiesta poco después del mismo nacimiento de la humanidad.

El inicio de la presentación comienza con el diseño de dos cuerpos semidesnudos que con movimientos entrelazados y armónicas transiciones, se yerguen sobre un mundo virgen, puro y desconoce.

El proceso de autoconocimieto que emerge, habla de la desinhibición sexual que con la manifiestas posturas corporales descubre a un hombre y a una mujer (Álex O. y Carolina T.) en igualdad de condiciones. 

La aparición del pecado a través de la manzana de Eva lo cambia todo, y a través de una Carolina pétrea y de ojos helados, evolucionamos hacia una mujer objeto, cosificada a un mero elemento ornamental por un hombre (Álex Ortín) que ávido de satisfacer su ego, sólo la usa en beneficio propio, despojándola de su identidad. 

Tal es así que sobre la tarima irrumpe un “cerdo con traje” que atraviesa escenas de poder absoluto y otras en contraposición de sumisión, cual animal domesticado por la figura femenina más dominante. La danza oriental intercalada con el desarrollo de ritmos más populares y contemporáneos, resuelta gracias a Martina Belloni con brillantez y sensualidad, hipnotizará y sodomizará a ese cerdo entregado y subordinado. 

Intercalados entre estos cuadros coreográficos, aparece la familia ABERRANTE, que en honor a su “apellido”, nos muestra a un hombre diferente, ahora maltratado física y psicológicamte por una mujer violenta y despiadada, inmersos en un ambiente de ignorancia y vicio.

Traerán a escena a su vástago que lucha por encontrar una existencia digna y libre que en manos de Martina Belloni de nuevo, nos permite disfrutar una interpretación muy genuina y fresca, haciendo evidente la corrosión del núcleo familiar. 

Todo estará impregnado de luces y sombras que definen las formas a placer resaltando y congelando los momentos concretos en el espacio-tiempo, como instantáneas que pretenden grabarse en nuestra retina. 

Los recursos audiovisuales de este multidisciplinario equipo acompañan toda la representación intensificando las diferentes situaciones o, se convierten en parte protagonista de la historia, generando confusión y desazón a la vez, haciendo innecesario mayor atrezo. 

Los actores llenarán el escenario con sus interpretación orgánica de temas visceralmente humanos desde un trabajo de grupo muy exhaustivo que persigue la reflexión sobre una realidad que nos engulle cada día en la dominancia de un género sobre otro y el abuso de poder. 

Una apuesta que no deja indiferente a nadie revolucionando lo preestablecido y removiendo consignas ancestrales. 

Una escena final profundamente provocadora, termina de sacudirte las entrañas, desgarra la conciencia perturbada como resultado del constante ejercicio de empatía de los intérpretes. 

Mosuo o no Mosuo es una historia basada en el simbolismo, la sátira y los extremos que nos da una particular visión del abuso de poder contado desde la poesía del movimiento, el impacto visual y la música como inmejorable partenaire.

Pieza evocadora de innumerables impresiones que dejan huella. 

Leyre Collazo Palomo  

Autor y dirección: Carolina Touceda Dramaturgia: Carolina Touceda y Álex Ortín Coreografía: Carolina Touceda y Martina Belloni Actores: Carolina Touceda, Álex Ortín y Martina Belloni Artista visual: Alejandra Alonso Asesoramiento de vestuario: Leticia García Ampudia Música: Daniel Castillo y Ezequiel Touceda Edición sonora: Daniel Marquis Teaser: Juan Ignacio Acevedo Fotografías: Ana Ortín y Juan Carlos Toledo Compañía: Aúpa Teatro; Teatro La Usina - VI Festival Surge de Madrid

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NOVEDADES EDITORIALES

Los cinco continentes del Teratro

Querido lector, quisiera contarte aquí cómo nació la idea de este libro porque el origen, como sabes, es al mismo tiempo, el inicio y el fundamento. A fines del siglo pasado, estábamos sorprendidos de que nuestro libro El arte secreto del actor. Diccionario de antropología teatral –publicado por primera vez en 1983– continuara siendo editado y traducido en diferentes idiomas. Probablemente resultó eficaz su fórmula simple en la que textos e imágenes tienen la misma importancia, y uno constantemente remite al otro; las ilustraciones se volvían protagonistas para sostener un nuevo campo de estudios, la antropología teatral ideada por Eugenio. Si como estudioso del teatro yo había colaborado con la antropología teatral, ahora le pedía a Eugenio su participación en la vertiente de la Historia, con un libro que imaginábamos como un complemento del precedente. Aun teniendo que decidir toda la organización del libro, me respondió que era una buena idea y me propuso que los argumentos giraran en torno a las técnicas, nunca lo suficientemente estudiadas, de los actores.
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Puntos de vista

Es un privilegio el poder dar a conocer el trabajo que desde finales de los años 60 Suzanne Osten ha desarrollado tanto en Suecia como en el resto del mundo, a través de presentaciones, giras, conferencias y workshops. El alcance de la obra de Suzanne se se debiera condensar en unas pocas palabras toda su obra hablaría de: riesgo, compromiso, comunicación, lucha y una inalterable apuesta por los olvidados dentro de los olvidados: los niños. Y junto a ellos los jóvenes. Es a ellos a los que Suzanne ha dedicado una enorme parte de su actividad creadora.
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Poética del drama moderno

El objeto de esta obra es el de definir el nuevo paradigma de la forma dramática que aparece hacia 1880 y que continúa hasta hoy en las dramaturgias contemporáneas. Se tiende así un puente entre las primeras obras de la modernidad en el teatro como las de Ibsen, Strindberg o Chejov, y las más recientes, ya se trate de las obras de Heiner Müller, Bernard-Marie Koltès o Jon Fosse. Jean-Pierre Sarrazac desvela la dimensión rapsódica del drama moderna: una forma abierta, profundamente heterogénea, en la que los modos dramático, épico y lírico, e incluso argumentativo (el diálogo filosófico que contamina al diálogo dramático), no dejan de ensamblarse o de solaparse. Lejos de compartir las ideas de “decadencia” (Luckàcs), de obsolescencia (Lehmann) o de la muerte del drama (Adorno), Poética del drama moderno dibuja contornos, siempre en movimiento, de una forma la más libre posible, pero que no es la ausencia de forma.
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La zanja

¿En qué momento compartimos el viaje que nos hizo ser tan iguales? ¿Cómo reprocharnos y atraernos tanto? La respuesta está en el tiempo pasado, en nuestros ancestros, en el recuerdo común que permaneció oculto. Porque en definitiva, hemos heredado las acciones de unos hombres sobre otros y las influencias sobre el colectivo. La Zanja refleja el encuentro entre dos mundos, ese ciclo infinito que se repetirá una y otra vez. Es un trabajo exhaustivo de creación, surgido de la documentación de las crónicas de la época y nuestros viajes al Perú actual.
Precio : 10€

Pasarela Senegal

En enero de 2007 el diseñador Antonio Miró presentó en la Pasarela de Barcelona un desfile no exento de polémica con ocho inmigrantes sin papeles y una escenografía con una patera y cajas. De tal acontecimiento le surge la idea de la obra a López Llera, quien, a raíz del suceso siente la necesidad de reflexionar sobre el papel del artista en la sociedad del espectáculo2, sobre la validez y efectividad de las denuncias sociales a través del arte y sobre el sentido de su propia escritura. La pieza constituye una magnífica denuncia dramática de la banalización de la cultura y del espectáculo.
Precio : 10€

Hacia una poética del arte como vehículo de Jerzy Grotowski

La reinvención de Pere Sais ondea en el título de la obra: Hacia una poética del arte como vehículo. Grotowski, como se sabe, imaginaba que la “cadena” de las performing arts podía mantenerse tensa entre dos extremos: el arte como presentación por una parte y el arte como vehículo en el extremo opuesto. Al hablar de poética del arte como vehículo se realiza un salto epistemológico.
Precio : 24€