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Mié, Jul

Y no es coña | Carlos Gil

Parece que ha pasado un siglo, pero en apenas cinco semanas y media, he tenido la ocasión de sumergirme en el proceso final de creación de una obra mía, "Flores ácidas", cuyo estreno absoluto se produjo el 5 de agosto en la sala Azucena Carmona del Teatro Real de Córdoba (Argentina) y que sigue durante todos los viernes y sábados de este mes de agosto allí, asistir entre medias al estreno de "El puerto de los cristales rotos" de Patricia Suárez y Mario Ernesto Sánchez en el Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami, participar de manera activa en Experimenta 16, el Festival Internacional de teatro de grupo que organiza El Rayo Misterioso en Rosario, y escribir esta homilía desde Buenos Aires donde ayer domingo vi una curiosa y conmovedora obra "Todas las cosas del mundo" de Diego Manso, dirigida de manera espléndida por Ruben Szuchmacher en el Teatro Payro con un magnífico reparto y tener para hoy lunes 15 cita con Paco y Eusebio de La Zaranda por un lado y con Fernando Bernués por otro, porque están con obra en la magnífica cartelera bonaerense.

Muchas cosas han sucedido en estas semanas. De esas que van dejando huella. Inmerso, como siempre, en un mundo teatral absorbente, participativo, exigente. Descubriendo otras maneras de producir, recordando lo que significa la independencia en el terreno teatral, o sea el hacerlo todo a pulmón, sin ayudas de ningún tipo, pero con una entrega y una solvencia profesional por encima de cualquier contingencia. Ver otras realidades, otras tonalidades, otros enfoques de la propia profesión.

En Rosario, de nuevo un encuentro con hacedores de revistas especializadas y con críticos, me coloca ante la posibilidad real de situar el auténtico valor de lo que uno hace, en comparación con lo que en un territorio tan fértil teatralmente como es Argentina hacen desde lo institucional o académico, desde las vinculaciones con gremios o grupos o desde la más solitaria independencia. Y todos tendemos a pensar que lo de los otros es mejor, y no siempre es así. La situación de las artes escénicas en el Estado español en comparación con Europa es penosa, pero si la compramos con Iberoamérica podemos detectar alguna diferencia positiva a nuestro favor.

No hablo de calidades, ni de propuestas artísticas, sino de estructuras y entramados de ayudas que apoyen esos desarrollos. Las diferencias entre lo institucional o estatal, lo comercial y lo independiente se produce en Argentina con brechas más grandes. Los argentinos tienen a favor una tejido social de apoyo, públicos a los que le interesa realmente el teatro. Ayer mismo un domingo de un largo puente aquí también, la sala donde vi la obra de Diego Manso estaba prácticamente llena y lo que más me alienta, con públicos de diferentes generaciones, desde jóvenes parejas, hasta ancianos. Y eso es un hecho que he vivido también en Córdoba y en Rosario. En el Estado español y en la parte de Europa que frecuento, parece que los públicos son mayoritariamente de 35 años para arriba, muy para arriba.-

Mañana martes dejo Argentina, vuelvo a mi casa, vuelvo a mi rutina. Con ganas de volver, pero con una carga nostálgica por lo que dejo atrás que me tiene convulso. Todo ha sido muy rápido, muy intenso, se estrenó la obra, se hizo en Experimenta, volvió a su placenta, donde nació, se llena la sala con públicos diversos, hay retorno inmediato porque los espectadores hablan, felicitan, abrazan. Hay desmontajes en vivo y en caliente, uno siente el pálpito de lo hecho al instante. No puedo hoy hacer otra cosa que recordar estos momentos, de agradecer a todas las compañeras del Grupo Damas con las que hicimos la obra, al Teatro Real por permitirnos el lujo de ensayar en la misma sala donde estrenamos, a Experimenta por apostar al programarla, a quienes la aplaudieron, a los que nos regalaron sus críticas con amor y sabiduría. En Rosario coincidí con Etelvino Vázquez, vi su Yerma, disfrute de su sabiduría.

Me siento un poco sonado, descubriendo palcas invisibles donde debería poner, aquí el día tal de agosto de 2016 tomé unas empanadas con fulanito. Aquí soñé un montaje con zutanita. Teatro que teatra, que ata, que alimenta, que une, que supera dificultades. Lo demás es melancolía. Aumenta hasta el infinito mi compromiso con las artes escénicas y todos sus moradores activos y pasivos.

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NOVEDADES EDITORIALES

Los cinco continentes del Teratro

Querido lector, quisiera contarte aquí cómo nació la idea de este libro porque el origen, como sabes, es al mismo tiempo, el inicio y el fundamento. A fines del siglo pasado, estábamos sorprendidos de que nuestro libro El arte secreto del actor. Diccionario de antropología teatral –publicado por primera vez en 1983– continuara siendo editado y traducido en diferentes idiomas. Probablemente resultó eficaz su fórmula simple en la que textos e imágenes tienen la misma importancia, y uno constantemente remite al otro; las ilustraciones se volvían protagonistas para sostener un nuevo campo de estudios, la antropología teatral ideada por Eugenio. Si como estudioso del teatro yo había colaborado con la antropología teatral, ahora le pedía a Eugenio su participación en la vertiente de la Historia, con un libro que imaginábamos como un complemento del precedente. Aun teniendo que decidir toda la organización del libro, me respondió que era una buena idea y me propuso que los argumentos giraran en torno a las técnicas, nunca lo suficientemente estudiadas, de los actores.
Precio : Próximamente

Puntos de vista

Es un privilegio el poder dar a conocer el trabajo que desde finales de los años 60 Suzanne Osten ha desarrollado tanto en Suecia como en el resto del mundo, a través de presentaciones, giras, conferencias y workshops. El alcance de la obra de Suzanne se se debiera condensar en unas pocas palabras toda su obra hablaría de: riesgo, compromiso, comunicación, lucha y una inalterable apuesta por los olvidados dentro de los olvidados: los niños. Y junto a ellos los jóvenes. Es a ellos a los que Suzanne ha dedicado una enorme parte de su actividad creadora.
Precio : Próximamente

Poética del drama moderno

El objeto de esta obra es el de definir el nuevo paradigma de la forma dramática que aparece hacia 1880 y que continúa hasta hoy en las dramaturgias contemporáneas. Se tiende así un puente entre las primeras obras de la modernidad en el teatro como las de Ibsen, Strindberg o Chejov, y las más recientes, ya se trate de las obras de Heiner Müller, Bernard-Marie Koltès o Jon Fosse. Jean-Pierre Sarrazac desvela la dimensión rapsódica del drama moderna: una forma abierta, profundamente heterogénea, en la que los modos dramático, épico y lírico, e incluso argumentativo (el diálogo filosófico que contamina al diálogo dramático), no dejan de ensamblarse o de solaparse. Lejos de compartir las ideas de “decadencia” (Luckàcs), de obsolescencia (Lehmann) o de la muerte del drama (Adorno), Poética del drama moderno dibuja contornos, siempre en movimiento, de una forma la más libre posible, pero que no es la ausencia de forma.
Precio : Próximamente

La zanja

¿En qué momento compartimos el viaje que nos hizo ser tan iguales? ¿Cómo reprocharnos y atraernos tanto? La respuesta está en el tiempo pasado, en nuestros ancestros, en el recuerdo común que permaneció oculto. Porque en definitiva, hemos heredado las acciones de unos hombres sobre otros y las influencias sobre el colectivo. La Zanja refleja el encuentro entre dos mundos, ese ciclo infinito que se repetirá una y otra vez. Es un trabajo exhaustivo de creación, surgido de la documentación de las crónicas de la época y nuestros viajes al Perú actual.
Precio : 10€

Pasarela Senegal

En enero de 2007 el diseñador Antonio Miró presentó en la Pasarela de Barcelona un desfile no exento de polémica con ocho inmigrantes sin papeles y una escenografía con una patera y cajas. De tal acontecimiento le surge la idea de la obra a López Llera, quien, a raíz del suceso siente la necesidad de reflexionar sobre el papel del artista en la sociedad del espectáculo2, sobre la validez y efectividad de las denuncias sociales a través del arte y sobre el sentido de su propia escritura. La pieza constituye una magnífica denuncia dramática de la banalización de la cultura y del espectáculo.
Precio : 10€

Hacia una poética del arte como vehículo de Jerzy Grotowski

La reinvención de Pere Sais ondea en el título de la obra: Hacia una poética del arte como vehículo. Grotowski, como se sabe, imaginaba que la “cadena” de las performing arts podía mantenerse tensa entre dos extremos: el arte como presentación por una parte y el arte como vehículo en el extremo opuesto. Al hablar de poética del arte como vehículo se realiza un salto epistemológico.
Precio : 24€