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Dom, Jul

Mirada de Zebra | Borja Ruiz

Puede parecer una paradoja, pero un estreno tiene aspecto de un final. Y un final suena siempre a despedida. Es su eco inevitable. En un "estreno", aunque parece que se enarbola la bandera de salida de un espectáculo, en realidad se está cerrando una etapa. Esa etapa convulsa que va desde el indicio de una idea hasta su consecución integral encima del escenario. Ese periodo siempre largo para nosotros, que abarca casi dos años, cuando nos situamos ante nuevos retos, cuando entrenamos en nuevas disciplinas, organizamos cursos con maestros que agitan nuestra inquietud creativa, contactamos con diferentes profesionales del medio para trabajar en conjunto... Ese espacio de tiempo, en definitiva, en el que vivimos un aprendizaje permanente en áreas desconocidas, mezclando equívocos e ilusiones a partes iguales, hasta que finalmente todo ello desemboca en la creación de un espectáculo. No es exagerado decir que lo que nosotros llamamos teatro, al menos hasta el momento, está más ligado a ese proceso plagado de múltiples experiencias, experimentos y encuentros, que al propio hecho de mostrar un espectáculo frente a espectadores.

Tal vez por esta razón, porque nuestra actividad se alimenta y evoluciona sobre todo a puerta cerrada, nos resistimos a que un estreno sea el final de ningún proceso. No buscamos pues que el estreno sea un carpetazo que nos desvincule por completo de lo acontecido con anterioridad. Preferimos tomarlo como un comienzo, como un almacenaje de experiencias que se guardan en un cofre abierto, para a partir de ahí permitir que el lenguaje del equipo artístico, sobre la escena y fuera de ella, el del presente espectáculo y el de los que vendrán, siga evolucionando. La impresión de un "hasta aquí" se mezcla entonces con un "a partir de aquí". Mientras miramos atrás, entre admirados y extrañados por todo lo que hemos vivido, hay interrogantes que ya asoman la cabeza. ¿Cómo dar recorrido al espectáculo a partir de aquí? ¿Qué evolución guarda la creación? ¿Qué impulso creativo, qué nuevos proyectos pueden nacer a partir de aquí? ¿Cómo dar continuidad y solidez a un grupo estable de teatro, que en estos tiempos parece un delicado castillo de naipes que inexplicablemente se mantiene en pie en medio de un vendaval? ¿Se puede hacer lo mismo pero diferente a partir de aquí?

Con todo, por muchas palabras y razones que vayan en dirección contraria, uno no puede desprenderse de la sensación de despedida que implica un estreno y, en consecuencia, aparece la necesidad de agradecer a todas las personas que nos han empujado en esta nueva aventura, apoyándonos desde el cariño y la confianza, desde el respeto y la generosidad, yendo siempre más allá de cualquier vínculo contractual. Gracias pues a Josu Montero que aceptó el reto con gran generosidad, ajustándose siempre a nuestra particular forma de trabajar, dispuesto en todo momento a poner, quitar o moldear las palabras a medida que dábamos forma a la puesta en escena. A Vicente León, por abrirnos un horizonte en el trabajo de la palabra. A Juan Carlos Garazaibal, un apoyo permanente en nuestro desarrollo vocal. A Gabriele Sofia, que cada vez que nos visita aporta una perspectiva profunda y rica. Y por último, gracias también a todos aquellos espectadores buscados, cercanos o encontrados, que han ofrecido una mirada constructiva y sensible durante el proceso trabajo.

A partir de aquí, la semana que viene sin ir más lejos, otras historias ocuparán esta página.

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NOVEDADES EDITORIALES

Los cinco continentes del Teratro

Querido lector, quisiera contarte aquí cómo nació la idea de este libro porque el origen, como sabes, es al mismo tiempo, el inicio y el fundamento. A fines del siglo pasado, estábamos sorprendidos de que nuestro libro El arte secreto del actor. Diccionario de antropología teatral –publicado por primera vez en 1983– continuara siendo editado y traducido en diferentes idiomas. Probablemente resultó eficaz su fórmula simple en la que textos e imágenes tienen la misma importancia, y uno constantemente remite al otro; las ilustraciones se volvían protagonistas para sostener un nuevo campo de estudios, la antropología teatral ideada por Eugenio. Si como estudioso del teatro yo había colaborado con la antropología teatral, ahora le pedía a Eugenio su participación en la vertiente de la Historia, con un libro que imaginábamos como un complemento del precedente. Aun teniendo que decidir toda la organización del libro, me respondió que era una buena idea y me propuso que los argumentos giraran en torno a las técnicas, nunca lo suficientemente estudiadas, de los actores.
Precio : Próximamente

Puntos de vista

Es un privilegio el poder dar a conocer el trabajo que desde finales de los años 60 Suzanne Osten ha desarrollado tanto en Suecia como en el resto del mundo, a través de presentaciones, giras, conferencias y workshops. El alcance de la obra de Suzanne se se debiera condensar en unas pocas palabras toda su obra hablaría de: riesgo, compromiso, comunicación, lucha y una inalterable apuesta por los olvidados dentro de los olvidados: los niños. Y junto a ellos los jóvenes. Es a ellos a los que Suzanne ha dedicado una enorme parte de su actividad creadora.
Precio : Próximamente

Poética del drama moderno

El objeto de esta obra es el de definir el nuevo paradigma de la forma dramática que aparece hacia 1880 y que continúa hasta hoy en las dramaturgias contemporáneas. Se tiende así un puente entre las primeras obras de la modernidad en el teatro como las de Ibsen, Strindberg o Chejov, y las más recientes, ya se trate de las obras de Heiner Müller, Bernard-Marie Koltès o Jon Fosse. Jean-Pierre Sarrazac desvela la dimensión rapsódica del drama moderna: una forma abierta, profundamente heterogénea, en la que los modos dramático, épico y lírico, e incluso argumentativo (el diálogo filosófico que contamina al diálogo dramático), no dejan de ensamblarse o de solaparse. Lejos de compartir las ideas de “decadencia” (Luckàcs), de obsolescencia (Lehmann) o de la muerte del drama (Adorno), Poética del drama moderno dibuja contornos, siempre en movimiento, de una forma la más libre posible, pero que no es la ausencia de forma.
Precio : Próximamente

La zanja

¿En qué momento compartimos el viaje que nos hizo ser tan iguales? ¿Cómo reprocharnos y atraernos tanto? La respuesta está en el tiempo pasado, en nuestros ancestros, en el recuerdo común que permaneció oculto. Porque en definitiva, hemos heredado las acciones de unos hombres sobre otros y las influencias sobre el colectivo. La Zanja refleja el encuentro entre dos mundos, ese ciclo infinito que se repetirá una y otra vez. Es un trabajo exhaustivo de creación, surgido de la documentación de las crónicas de la época y nuestros viajes al Perú actual.
Precio : 10€

Pasarela Senegal

En enero de 2007 el diseñador Antonio Miró presentó en la Pasarela de Barcelona un desfile no exento de polémica con ocho inmigrantes sin papeles y una escenografía con una patera y cajas. De tal acontecimiento le surge la idea de la obra a López Llera, quien, a raíz del suceso siente la necesidad de reflexionar sobre el papel del artista en la sociedad del espectáculo2, sobre la validez y efectividad de las denuncias sociales a través del arte y sobre el sentido de su propia escritura. La pieza constituye una magnífica denuncia dramática de la banalización de la cultura y del espectáculo.
Precio : 10€

Hacia una poética del arte como vehículo de Jerzy Grotowski

La reinvención de Pere Sais ondea en el título de la obra: Hacia una poética del arte como vehículo. Grotowski, como se sabe, imaginaba que la “cadena” de las performing arts podía mantenerse tensa entre dos extremos: el arte como presentación por una parte y el arte como vehículo en el extremo opuesto. Al hablar de poética del arte como vehículo se realiza un salto epistemológico.
Precio : 24€