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Dom, Jul

Y no es coña | Carlos Gil

Hace dos años el gobierno ecuatoriano decidió crear un gran Festival Internacional de Artes Vivas, eligió la localidad de Loja, lo dotó de un espléndido presupuesto y esta iniciativa creó polémica, debate, enfrentamiento, ya que se dedicaba una cantidad exuberante para un evento, mientras el resto de la actividad teatral, tanto en producción como en otros festivales de larga trayectoria, quedaban desamparados y señalaban la discriminación y desigualdad que esta situación agravaba. Con estos inicios, el festival arrancó, Patricio Vallejo asumió la dirección artística de las dos primeras ediciones, y hemos llegado a la tercera, que no va la vencida, sino que es la puerta para la cuarta, con una nueva dirección artística a cargo de Roberto Sánchez. Es obvio que para estabilizar una propuesta de esta magnitud es necesario estabilizar durante un tiempo la dirección artística, crear un programa de varios años, para buscar un desarrollo equilibrado.

Escribo estas líneas tras ver una de las apuestas del festival de este año, que como dijo Arístides Vargas en su advertencia previa de presentación y modo de uso del espectáculo, era la prehistoria de lo que podría ser una Compañía Nacional de Teatro, ya que, a partir de una novela clásica de José de la Cuadra, se han juntado tres compañías de larga tradición, Malayerba, Muégano Teatro y La Trinchera de Manta, para crear un gran equipo actoral y proponer “Sangurimas”, una obra de gran formato, con ambición artística remarcable, contando una historia que fundamenta la creación de una cosmogonía propia, a partir del invasivo árbol Matapalo, se narra una estirpe fundacional y se muestra la violencia inherente a una jerarquización patriarcal que es sustancial a un desarrollo de una sociedad en marcha.

La estrategia de producción fue partir en tres secciones la dramaturgia creada por Arístides Vargas, Nixon García, Gerson Guerra y Santiago Roldós, para que cada colectivo ensayase por su parte y después juntarse en la propia Loja y en el majestuoso Teatro Benjamín Carrión, donde se estrenó, para ensamblar todo bajo la coordinación general Arístides Vargas. El resultado en términos de consolidación y visualización de la existencia de un potencial creativo ecuatoriano con capacidades para hacer propuestas de altos vuelos artísticos, es perfecto. La obra elegida, que parte de un autor reconocido y que el trabajo de acercamiento a nuestros días de sus contenido se hace poniendo a las mujeres como protagonistas de toda la evolución, en contradicción con la tradicional vejación histórica sufrida por las mujeres, que se estructura en una propuesta escénica muy conspicua, con elementos móviles y proyecciones para crear ámbitos diferenciados por donde transcurren las acciones, la música en directo que le dota de una inmediatez cálida y las claras referencias brechtianas, con el tono épico general, al solucionar escenas con canciones, en provocar en el espectador la necesidad de reflexionar sobre lo que se cuenta y no llevarlo siempre por el camino de las emociones. 

Es el embrión de algo que deberá evolucionar con la necesaria colaboración de las instituciones. En este mismo festival vimos un espectáculo de la Compañía Nacional de Danza, inspirado en la obra y la vida de un autor lojano, Pablo Palacio, con dirección de la catalana Laura Aris, otra idea estética, otra noción, pero en la misma línea de la búsqueda de unas referencias ecuatorianas, para ir estableciendo en el imaginario colectivo una posible realidad escénica que fundamente una manera de ser, incluso intuir un nacionalismo estético. En lo del teatro, se trata de armonizar los recursos, de procurar espacios de colaboración y de crecimiento para establecer un repertorio y una estructura de creación superadora de lo actualmente existente, que no debe desaparecer, sino complementarse. Pueden existir las compañías o grupos independientes, y a la vez, hacer experiencias de mayor ambición conjunta. Es una posibilidad que entiendo como positiva.

Y es que un Festival, este festival en concreto, que consume tantos recursos económicos, que se hace en una población de unos doscientos mil habitantes, debe crecer en un terreno experimental, pero que ayude al conjunto del país. La población de Loja lo siente como propio. Coincide con las fiestas patrias, con una suerte de feria que convierte el centro de la ciudad en una romería multicolor y que se dio en llamar off festival, un concepto confuso que no ayuda, pero que de momento sirve para la integración de las acciones municipales propias con las estatales del festival, ya que está patrocinado por el Ministerio de Cultura.

Este tipo de producciones y coproducciones dotan al festival de una incidencia clara en el cambio a futuro. Es una línea programática conciliadora. Es un acierto y creemos que puede crecer en este campo y servir de herramienta para mayores hitos estructurales de cara a un futuro próximo. La programación internacional va fundamentando un lenguaje, una relación con los públicos y a los que llegamos de fuera lo que nos interesa es ver la producción ecuatoriana, el estado actual de sus creadores más jóvenes, junto a los históricos. Y estamos en esa función de conocimiento y disfrute de todo tipo de propuestas bien diferenciadas y esperamos que en la próxima entrega podamos hacer un relato completo de lo presenciado.

Crece, consolida, ayuda a la formación permanente general la parte de talleres y cursos. He tenido el honor de dar uno sobre crítica teatral y confieso que ha sido un placer comprobar la existencia de un grupo de mujeres, muy formadas, con ganas de asumir la responsabilidad del análisis y la expresión de sus resultados en forma de crítica. Escriben muy bien, su sensibilidad y probablemente los apoyos técnicos proporcionados por el taller, se han plasmado en piezas realmente importantes. La organización ha creado un espacio en la web para su publicación a lo largo del festival. Otra manera de activar el proceso de visualizar el festival y de convertirlo en algo más que un espacio para la exhibición de espectáculos y para que las autoridades ofrezcan discursos no siempre acordes con la importancia del evento.

Esperemos que a la tercera edición le siga la cuarta. Se dijo en la inauguración que estaba el presupuesto para la misma. No se dijo la cuantía. Se escuchan voces de mermas presupuestarias generales para 2019. Confiamos en que las Artes Vivas como ellos lo definen no sufran excesivos recortes como para impedirle mantener el crecimiento que necesitan.

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NOVEDADES EDITORIALES

Los cinco continentes del Teratro

Querido lector, quisiera contarte aquí cómo nació la idea de este libro porque el origen, como sabes, es al mismo tiempo, el inicio y el fundamento. A fines del siglo pasado, estábamos sorprendidos de que nuestro libro El arte secreto del actor. Diccionario de antropología teatral –publicado por primera vez en 1983– continuara siendo editado y traducido en diferentes idiomas. Probablemente resultó eficaz su fórmula simple en la que textos e imágenes tienen la misma importancia, y uno constantemente remite al otro; las ilustraciones se volvían protagonistas para sostener un nuevo campo de estudios, la antropología teatral ideada por Eugenio. Si como estudioso del teatro yo había colaborado con la antropología teatral, ahora le pedía a Eugenio su participación en la vertiente de la Historia, con un libro que imaginábamos como un complemento del precedente. Aun teniendo que decidir toda la organización del libro, me respondió que era una buena idea y me propuso que los argumentos giraran en torno a las técnicas, nunca lo suficientemente estudiadas, de los actores.
Precio : Próximamente

Puntos de vista

Es un privilegio el poder dar a conocer el trabajo que desde finales de los años 60 Suzanne Osten ha desarrollado tanto en Suecia como en el resto del mundo, a través de presentaciones, giras, conferencias y workshops. El alcance de la obra de Suzanne se se debiera condensar en unas pocas palabras toda su obra hablaría de: riesgo, compromiso, comunicación, lucha y una inalterable apuesta por los olvidados dentro de los olvidados: los niños. Y junto a ellos los jóvenes. Es a ellos a los que Suzanne ha dedicado una enorme parte de su actividad creadora.
Precio : Próximamente

Poética del drama moderno

El objeto de esta obra es el de definir el nuevo paradigma de la forma dramática que aparece hacia 1880 y que continúa hasta hoy en las dramaturgias contemporáneas. Se tiende así un puente entre las primeras obras de la modernidad en el teatro como las de Ibsen, Strindberg o Chejov, y las más recientes, ya se trate de las obras de Heiner Müller, Bernard-Marie Koltès o Jon Fosse. Jean-Pierre Sarrazac desvela la dimensión rapsódica del drama moderna: una forma abierta, profundamente heterogénea, en la que los modos dramático, épico y lírico, e incluso argumentativo (el diálogo filosófico que contamina al diálogo dramático), no dejan de ensamblarse o de solaparse. Lejos de compartir las ideas de “decadencia” (Luckàcs), de obsolescencia (Lehmann) o de la muerte del drama (Adorno), Poética del drama moderno dibuja contornos, siempre en movimiento, de una forma la más libre posible, pero que no es la ausencia de forma.
Precio : Próximamente

La zanja

¿En qué momento compartimos el viaje que nos hizo ser tan iguales? ¿Cómo reprocharnos y atraernos tanto? La respuesta está en el tiempo pasado, en nuestros ancestros, en el recuerdo común que permaneció oculto. Porque en definitiva, hemos heredado las acciones de unos hombres sobre otros y las influencias sobre el colectivo. La Zanja refleja el encuentro entre dos mundos, ese ciclo infinito que se repetirá una y otra vez. Es un trabajo exhaustivo de creación, surgido de la documentación de las crónicas de la época y nuestros viajes al Perú actual.
Precio : 10€

Pasarela Senegal

En enero de 2007 el diseñador Antonio Miró presentó en la Pasarela de Barcelona un desfile no exento de polémica con ocho inmigrantes sin papeles y una escenografía con una patera y cajas. De tal acontecimiento le surge la idea de la obra a López Llera, quien, a raíz del suceso siente la necesidad de reflexionar sobre el papel del artista en la sociedad del espectáculo2, sobre la validez y efectividad de las denuncias sociales a través del arte y sobre el sentido de su propia escritura. La pieza constituye una magnífica denuncia dramática de la banalización de la cultura y del espectáculo.
Precio : 10€

Hacia una poética del arte como vehículo de Jerzy Grotowski

La reinvención de Pere Sais ondea en el título de la obra: Hacia una poética del arte como vehículo. Grotowski, como se sabe, imaginaba que la “cadena” de las performing arts podía mantenerse tensa entre dos extremos: el arte como presentación por una parte y el arte como vehículo en el extremo opuesto. Al hablar de poética del arte como vehículo se realiza un salto epistemológico.
Precio : 24€