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Mié, Jul

Mirada de Zebra | Borja Ruiz
Pienso en blanco y negro. San Sebastián hace más de 75 años. Imágenes cubiertas de una pátina borrosa que difumina el contorno de las cosas y las personas. En alguna casa de la calle Hondarribi un hombre hace crujir el suelo de madera mientras anda alrededor de su mesa de trabajo. Es escritor. Escribe en euskera. Algo fuera de norma pues incluso en aquella época el castellano se apodera de los murmullos de la ciudad. Él mismo se había casado hace más de doce años con una mujer que no sabía euskera, lo cual no fue impedimento, pues el amor tiene su propio lenguaje. Escribe de todo, generalmente conferencias. Le interesa aquello que tiene que ver con sus raíces. Habla de la patria, del euskera, de la sociedad, de cultura. Los paisanos se interesan por lo que tiene que contarles, pero él, tímido como es, pocas veces lee sus propios escritos en público. Prefiere pasar desapercibido. Sus textos, dice, ya hablan suficiente por él. Tal vez por esa razón siempre firma con un pseudónimo: Luzear.

Mientras este escritor que se hace llamar Luzear da vueltas alrededor de la mesa, en la que probablemente hay un papel en blanco, no puede evitar escuchar a su hija, Amale, que juega ruidosamente en la otra habitación. Revolotea y habla sin parar. Tiene doce años. Tan poco vívido y cuánta cosa que decir. Debido a ese desparpajo con la palabra, que no sabe de dónde le puede venir, ella es quien frecuentemente lee sus conferencias. En ese instante, cuando la bulliciosa voz de Amale penetra en sus pensamientos desordenados, tiene la idea. Sobre esa página en blanco que probablemente está encima de la mesa, escribirá un monólogo para su hija. Algo sencillo sobre algún motivo cotidiano. Nada trascendente. Un juego escénico para mostrar en diferentes lugares de la ciudad. Eso sí, en euskera. Los pensamientos, en un principio desconectados unos de otros, se fecundan entre sí y de repente le viene el título: "Neskamearen marmarrak" [Los murmullos de la criada]. Entonces ignora que de ese chispazo saldrá un texto que será recordado muchos años después.

Mungia el sábado pasado. Las imágenes tienen ahora el color y la nitidez de los recuerdos recientes. Sobre el escenario cuatro actores juegan con ese monólogo, "Neskamearen marmarrak". En este trasvase de tiempos, la actriz que interpreta a la criada se tiñe de blanco y negro en mis ojos. Uno admira la humilde osadía de aquel escritor que, contra toda corriente, escribió uno de los pocos textos teatrales en euskera de aquella época. Hay aplausos. Para los actores y para la memoria. Es el día en el que EHAZE (Euskal Herriko Antzerkizale Elkartea) [Asociación de aficionados al teatro de Euskal Herria] celebra su fiesta. Como colofón se entrega un premio que esta vez ha recaído en Amale, reconociendo la labor de su padre y la suya propia a favor del teatro hecho en euskera. En medio de más aplausos, Amale sube al escenario En su cadencia reposada, en su presencia tenue pero viva es difícil imaginar la niña pizpireta que daba voz a los textos de su padre, salvo por esa sonrisa que colma su cara y por la que no parece haber pasado el tiempo. Recoge el premio agotando el último aplauso que queda en las manos de los espectadores. Entre tanto golpe de palmas, seguro que alguna lágrima ha conseguido pasar inadvertida.

Un par de horas más tarde, poco después de la actuación de mi compañía, me encuentro con Amale en el vestíbulo del teatro, que había visto nuestra función en primera fila. Su sonrisa no ha perdido ningún brillo. Intercambiamos varias frases dentro de una conversación ligera de dos personas que se acaban de conocer. Entre ellas una que aún coletea en mis oídos: "Gurea eitten jarraitu behar deu" [Tenemos que seguir haciendo lo nuestro]. Cuando las fuerzas flaqueen, me acordaré de esa frase, Amale. Y de esa sonrisa.

Txuri beltzez pentsatzen nago. Donosti duela 75 urte baino gehiago. Gauzen eta pertsonen ingerada ezabatzen duen patina batez estalita agertzen dira irudiak. Honadarribi kaleko etxeren baten gizon batek zorua kraskatzen ari da bere lan mahaiaren inguruan ibiltzen den bitartean. Idazlea da. Euskeraz idazten du. Normatik kanpoko gauza, garai hartan erdara hiriko marmarretan nagusitzen bait da. Izan ere, bera euskera ez zekien emakume batekin ezkondu zen duela hamabi baino gehiago. Hura, dena den, ezen oztopo izan, amodioak berezko lengoaia daukalako. Denetarik idazten du, hitzaldiak batez ere. Bere sustraiekin lotuta dagoena interesatzen zaio. Aberriaz, euskeraz, gizarteaz, kulturaz mintzatzen da. Inguruko hiritarrak kontatu behar duenaz interesatzen dira, baina bera, isila den bezala, gutxitan irakurtzen ditu bere testuak publikoaren aurrean. Oharkabean pasatzea du nahiago. Bere testuak, esaten duen moduan, nahiko mintzo dira berataz. Horrexegatik beharbada ezizen batekin zinatzen du beti: Luzear.

Bere burua Luzear bezela deitzen duen idazlea, agian paper zuri bat gainean duen mahai baten inguruan bueltak ematen dituen bitartean, bere alaba entzuten du, Amale, alboko gelan zaratatsu jolasten dagoena. Gora eta behera dihardu hitz egiteari utzi barik. Ze gutxi bizi izan du eta hala ere zenbat dauka kontatzeko. Berbetan daukan erraztasunagatik, aitak nondik datorkion ez badaki ere, askotan bera da hitzaldiak irakurtzen dituena. Momentu horretan, Amaleren ahots zaratatsua bere pentsamendu eragabeen artean sartzen denean, orduantxe dauka ideia. Agian mahaiaren gainean dagoen horri zuri horretan bakarrizketa bat idatziko du bere alabarentzat. Zeozer erraza eguneroko gai baten inguruan. Transzendentea den ezer ez. Hiriko hainbat lekutan egiteko joko eszeniko bat. Hori bai, euskeraz. Pentsamenduak, hasieran loturarik gabe agertu zirenak, bat-batean elkarrekin ernaltzen dira eta izenburua datorkio: "Neskamearen marmarrak". Orduan ez daki txinparta horretatik aterako den testua urte asko barru gogoratua izango dela.

Mungia pasa den larunbatean. Irudiak oroitzapen hurbilen kolorea eta zehaztasuna daukate orain. Oholtza gainean lau aktorek "Neskamearen marmarrak" bakarrizketarekin jolasten dute. Denboraren lekualdaketa honetan, neskamea interpretatzen duen aktorea txuri beltzez jazten da nire begietan. Goraipatzekoa da idazlearen balentria xumea, zeinak, korronte guztien kontra, garai hartako euskarazko antzerki testu bakarretakoa idatzi zuen. Txaloak daude. Aktoreentzat eta memoriarentzat. EHAZE-k, Euskal Herriko Antzerkizale Elkarteak, bere festa ospatzen duen eguna da. Egunaren bukaera bezela sari bat emango da, kasu honetan Amaleren eskuetara joango dena. Txalo gehiagoren artean, Amale oholtza gainera igo da. Bere erritmo pausatuan, bere presentzia arin baina bizian zaila da antzematea bere garaian izandako ume bizkorra, aurpegian agertzen den irribarreagatik ez balitz. Saria hartzen du ikusleen eskuetan egon daitezkeen azken txaloak atereaz. Hainbeste esku kolpeen artean seguru malkoren bat oharkabean jauzi dela.

Ordu pare bat beranduago, nire konpainiaren emanaldia eta gero, Amale aurkitzen dut antzokiaren sarreran. Ikuskizunari so egon da lehengo lerrotik. Bere irribarreak ez du distirarik galdu. Elkarrizketa arin batean zenbait esaldi elkartrukatzen ditugu. Horien artean bat nire belarrietan bueltaka dabil oraindik: "Gurea eitten jarraitu behar deu". Inoiz indarrak ahultzen direnean, esaldi horrekin akordatuko naiz, Amale. Eta irribarre horrekin ere.

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NOVEDADES EDITORIALES

Los cinco continentes del Teratro

Querido lector, quisiera contarte aquí cómo nació la idea de este libro porque el origen, como sabes, es al mismo tiempo, el inicio y el fundamento. A fines del siglo pasado, estábamos sorprendidos de que nuestro libro El arte secreto del actor. Diccionario de antropología teatral –publicado por primera vez en 1983– continuara siendo editado y traducido en diferentes idiomas. Probablemente resultó eficaz su fórmula simple en la que textos e imágenes tienen la misma importancia, y uno constantemente remite al otro; las ilustraciones se volvían protagonistas para sostener un nuevo campo de estudios, la antropología teatral ideada por Eugenio. Si como estudioso del teatro yo había colaborado con la antropología teatral, ahora le pedía a Eugenio su participación en la vertiente de la Historia, con un libro que imaginábamos como un complemento del precedente. Aun teniendo que decidir toda la organización del libro, me respondió que era una buena idea y me propuso que los argumentos giraran en torno a las técnicas, nunca lo suficientemente estudiadas, de los actores.
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Puntos de vista

Es un privilegio el poder dar a conocer el trabajo que desde finales de los años 60 Suzanne Osten ha desarrollado tanto en Suecia como en el resto del mundo, a través de presentaciones, giras, conferencias y workshops. El alcance de la obra de Suzanne se se debiera condensar en unas pocas palabras toda su obra hablaría de: riesgo, compromiso, comunicación, lucha y una inalterable apuesta por los olvidados dentro de los olvidados: los niños. Y junto a ellos los jóvenes. Es a ellos a los que Suzanne ha dedicado una enorme parte de su actividad creadora.
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El objeto de esta obra es el de definir el nuevo paradigma de la forma dramática que aparece hacia 1880 y que continúa hasta hoy en las dramaturgias contemporáneas. Se tiende así un puente entre las primeras obras de la modernidad en el teatro como las de Ibsen, Strindberg o Chejov, y las más recientes, ya se trate de las obras de Heiner Müller, Bernard-Marie Koltès o Jon Fosse. Jean-Pierre Sarrazac desvela la dimensión rapsódica del drama moderna: una forma abierta, profundamente heterogénea, en la que los modos dramático, épico y lírico, e incluso argumentativo (el diálogo filosófico que contamina al diálogo dramático), no dejan de ensamblarse o de solaparse. Lejos de compartir las ideas de “decadencia” (Luckàcs), de obsolescencia (Lehmann) o de la muerte del drama (Adorno), Poética del drama moderno dibuja contornos, siempre en movimiento, de una forma la más libre posible, pero que no es la ausencia de forma.
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¿En qué momento compartimos el viaje que nos hizo ser tan iguales? ¿Cómo reprocharnos y atraernos tanto? La respuesta está en el tiempo pasado, en nuestros ancestros, en el recuerdo común que permaneció oculto. Porque en definitiva, hemos heredado las acciones de unos hombres sobre otros y las influencias sobre el colectivo. La Zanja refleja el encuentro entre dos mundos, ese ciclo infinito que se repetirá una y otra vez. Es un trabajo exhaustivo de creación, surgido de la documentación de las crónicas de la época y nuestros viajes al Perú actual.
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La reinvención de Pere Sais ondea en el título de la obra: Hacia una poética del arte como vehículo. Grotowski, como se sabe, imaginaba que la “cadena” de las performing arts podía mantenerse tensa entre dos extremos: el arte como presentación por una parte y el arte como vehículo en el extremo opuesto. Al hablar de poética del arte como vehículo se realiza un salto epistemológico.
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