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Sáb, Jul

Velaí! Voici! | Afonso Becerra

El teatro es un juego a través del cual podemos darle la vuelta al mundo. Y con ese juego podemos cuestionar o analizar nuestra vida. Se trata de un juego de presencias necesarias: vuestra presencia, la de la espectadora y el espectador, y nuestra presencia, la de quien actúa y propone el juego.

 

En el juego del teatro podemos ofreceros las presencias de unos personajes y representaros su historia. Sin embargo, en la dramaturgia posdramática no vamos a convocar en el escenario, a través  de actrices y actores, las presencias de personajes, ni tampoco os vamos a representar una historia. En la dramaturgia posdramática vamos a ofreceros, directamente, sin la mediación de unos personajes o de una historia de ficción, el juego con la presencia real de las personas que actúan. El juego de sus cuerpos, en la acción del movimiento o de la quietud. El juego de sus respiraciones, por veces sonorizadas o articuladas en palabras. El juego de sus miradas. El juego de los objetos, de las luces, de las imágenes audiovisuales, de la música. Una intersección de presencias en juego.

Y como el juego del teatro es un arte, vamos a ofreceros ese juego de presencias reales de las personas que actúan, de los objetos, de las luces, de las imágenes y de la música, desde una exploración de lo extra-ordinario, más allá de la zona de confort, escapando de lo común y de lo que llamamos normal o normativo.

Este puede ser un modo de contestar o darle la vuelta al mundo en el que, por lo general, vivimos.

Salir de la norma, de lo normal, de lo común, del hecho de tener que ser hombre o mujer, profesora o alumno, madre o hijo... Salir de los comportamientos y de las estéticas habituales y entrar en otros lugares no controlados previamente por nuestra voluntad finalista.

Salir de esa obsesión por justificarlo todo, por ordenarlo todo, por controlarlo todo desde la mente supone, de alguna manera, liberarnos de los miedos y precauciones que nos hacen ordenar y jerarquizar todo lo que forma parte de nuestra vida. Abrimos, por tanto, un espacio de libertad.

Y este espacio, este apartarnos de las estructuras ordenadoras de la mente, que coinciden, en buena medida, con las estructuras de la narratología y de la construcción de historias, implica afincarnos más en la plasticidad y en la musicalidad de los cuerpos, las voces, las miradas, los objetos, las luces, las imágenes, los sonidos... como materialidad susceptible de generar paisajes escénicos que acaben por interpelarnos, por revelarnos, por hablar de nosotras/os, por erguir cuestiones, por darle la vuelta al mundo.

Al liberarnos de ofreceros las presencias de unos personajes, nos liberamos también de la obligación de representaros unos constructos identitarios reconocibles. Al liberarnos de representaros una historia, nos liberamos también de las reglas que organizan, ponen orden y jerarquía a cualquier historia. Desde la dramaturgia posdramática, el teatro se acerca y se mezcla con la danza y expande sus posibilidades como juego. Casi podríamos decir que el juego es más juego cuando se permite romper fronteras y se atreve a entrar en terrenos más allá del control de una voluntad finalista, utilitarista.

Recientemente, tuve el placer de guiar un Laboratorio de Dramaturgia Posdramática, organizado por la Concellaría de Acción Cultural del Ayuntamiento de Santiago de Compostela y la Escola de Escritoras/es de la AELG (Asociación de Escritoras/es en Lingua Galega), en la Sala Agustín Magán del Centro Sociocultural Santa Marta de Compostela.

En este Laboratorio de composición no hemos creado una obra de teatro cerrada o acabada. Hemos estado trabajando en una dramaturgia, una partitura de acciones para un espectáculo, realizada de modo colaborativo, a partir de la experimentación y de la exploración de unos materiales diversos, que cada participante aportó al proceso de creación. Hemos estado explorando esos materiales y, entre ellos, también, los cuerpos como elemento de composición.

Una dramaturgia compartida y realizada por José Breijo Vidal (Topo), Jorge García Marín, Carlos Labraña, Kirenia Martínez, Yelena Molina, Teresa Moure, Ana Rosa Pavón Grande, Deusa Pérez Goicochea, Paula Sanmartín e Iria Sobrado.

Antes de la muestra final del “work in progress”, una de las actrices y dramaturgas de este Laboratorio, la escritora gallega Teresa Moure, lo explicaba así, en las redes sociales, para las personas que quisiesen venir a ver nuestro trabajo: “Deslocar o assunto da história para a associação de ideias. Colaborarmos. Seguir o fio das outras: beber a sua luz. Empapar-se em sensações, construir ritmos e reconhecer os caminhos transitados. A dificuldade de nos olhar lentamente, visto que os olhos d@s demais refletem a própria imagem, essa desconhecida. Luz e pele, sombras e movimentos do consciente ao subconsciente. Estarmos alerta. A experiência de escrevermos partituras. A aventura da dramaturgia pós-dramática em sessão aberta. Sem se abrir o telão….

[…]” (Teresa Moure. Texto publicado em Facebook, 09/05/19)

(Desplazar el asunto de la historia para la asociación de ideas. Colaborar. Seguir el hilo de las otras: beber su luz. Empaparse en sensaciones, construir ritmos y reconocer los caminos transitados. La dificultad de mirarnos lentamente, visto que los ojos de l@s demás reflejan la propia imagen, esa desconocida. Luz y piel, sombras y movimientos del consciente al subconsciente. Estar alerta. La experiencia de escribir partituras. La aventura de la dramaturgia posdramática en sesión abierta. Sin abrir el telón… […])

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NOVEDADES EDITORIALES

Los cinco continentes del Teratro

Querido lector, quisiera contarte aquí cómo nació la idea de este libro porque el origen, como sabes, es al mismo tiempo, el inicio y el fundamento. A fines del siglo pasado, estábamos sorprendidos de que nuestro libro El arte secreto del actor. Diccionario de antropología teatral –publicado por primera vez en 1983– continuara siendo editado y traducido en diferentes idiomas. Probablemente resultó eficaz su fórmula simple en la que textos e imágenes tienen la misma importancia, y uno constantemente remite al otro; las ilustraciones se volvían protagonistas para sostener un nuevo campo de estudios, la antropología teatral ideada por Eugenio. Si como estudioso del teatro yo había colaborado con la antropología teatral, ahora le pedía a Eugenio su participación en la vertiente de la Historia, con un libro que imaginábamos como un complemento del precedente. Aun teniendo que decidir toda la organización del libro, me respondió que era una buena idea y me propuso que los argumentos giraran en torno a las técnicas, nunca lo suficientemente estudiadas, de los actores.
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Puntos de vista

Es un privilegio el poder dar a conocer el trabajo que desde finales de los años 60 Suzanne Osten ha desarrollado tanto en Suecia como en el resto del mundo, a través de presentaciones, giras, conferencias y workshops. El alcance de la obra de Suzanne se se debiera condensar en unas pocas palabras toda su obra hablaría de: riesgo, compromiso, comunicación, lucha y una inalterable apuesta por los olvidados dentro de los olvidados: los niños. Y junto a ellos los jóvenes. Es a ellos a los que Suzanne ha dedicado una enorme parte de su actividad creadora.
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Poética del drama moderno

El objeto de esta obra es el de definir el nuevo paradigma de la forma dramática que aparece hacia 1880 y que continúa hasta hoy en las dramaturgias contemporáneas. Se tiende así un puente entre las primeras obras de la modernidad en el teatro como las de Ibsen, Strindberg o Chejov, y las más recientes, ya se trate de las obras de Heiner Müller, Bernard-Marie Koltès o Jon Fosse. Jean-Pierre Sarrazac desvela la dimensión rapsódica del drama moderna: una forma abierta, profundamente heterogénea, en la que los modos dramático, épico y lírico, e incluso argumentativo (el diálogo filosófico que contamina al diálogo dramático), no dejan de ensamblarse o de solaparse. Lejos de compartir las ideas de “decadencia” (Luckàcs), de obsolescencia (Lehmann) o de la muerte del drama (Adorno), Poética del drama moderno dibuja contornos, siempre en movimiento, de una forma la más libre posible, pero que no es la ausencia de forma.
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La zanja

¿En qué momento compartimos el viaje que nos hizo ser tan iguales? ¿Cómo reprocharnos y atraernos tanto? La respuesta está en el tiempo pasado, en nuestros ancestros, en el recuerdo común que permaneció oculto. Porque en definitiva, hemos heredado las acciones de unos hombres sobre otros y las influencias sobre el colectivo. La Zanja refleja el encuentro entre dos mundos, ese ciclo infinito que se repetirá una y otra vez. Es un trabajo exhaustivo de creación, surgido de la documentación de las crónicas de la época y nuestros viajes al Perú actual.
Precio : 10€

Pasarela Senegal

En enero de 2007 el diseñador Antonio Miró presentó en la Pasarela de Barcelona un desfile no exento de polémica con ocho inmigrantes sin papeles y una escenografía con una patera y cajas. De tal acontecimiento le surge la idea de la obra a López Llera, quien, a raíz del suceso siente la necesidad de reflexionar sobre el papel del artista en la sociedad del espectáculo2, sobre la validez y efectividad de las denuncias sociales a través del arte y sobre el sentido de su propia escritura. La pieza constituye una magnífica denuncia dramática de la banalización de la cultura y del espectáculo.
Precio : 10€

Hacia una poética del arte como vehículo de Jerzy Grotowski

La reinvención de Pere Sais ondea en el título de la obra: Hacia una poética del arte como vehículo. Grotowski, como se sabe, imaginaba que la “cadena” de las performing arts podía mantenerse tensa entre dos extremos: el arte como presentación por una parte y el arte como vehículo en el extremo opuesto. Al hablar de poética del arte como vehículo se realiza un salto epistemológico.
Precio : 24€