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Mié, Nov

Esta es la sección para publicar las críticas de espectáculos de teatro, danza, música, circo, etcétera, así como opiniones sobre las realidades de las artes escénicas de cualquier parte del mundo. Tú puedes escribirla, enviándola a Esta dirección de correo electrónico está protegida contra spambots. Usted necesita tener Javascript activado para poder verla. y te la publicaremos.
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ARTEZBLAI no se hace responsable de las opiniones vertidas y firmadas por sus autores o autoras. Y la valoración de cada espectáculo es realizada por quien ha escrito la crítica y no corresponde a una postura oficial de ARTEZ.

 

A partir de…

El autor francés Edmond Rostand en 1897 publicó la novela “Cyrano de Bergerac” que ciertamente era la recreación del personaje real Hercule-Savinien de Cyrano de Bergerac (1619-1655). La novela dio origen a una obra de teatro en múltiples versiones y a diversas películas que conservaron el título y la esencia de aquel narigudo infeliz por su deformación, pero capaz de amar con pasión.

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Érase una vez

La compañía Títeres Etcétera, fundada en 1981 en Granada por Enrique Lanz, que acaba de realizar, durante su temporada madrileña de otoño, la función número cien en el Teatro Real de  El desván de los juguetes, cuento para piano y marionetas basado en las obras musicales clásicas “La boîte à joujoux” y “Le petit nègre” de Claude Debussy, es la propuesta de la compañía para implicar a la familia que visita la sala Gayarre en una historia colmada de sensibilidad. Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud 2014 en España, y con treinta y cinco años de excelente labor titiritera, Etcétera es un referente ineludible en el panorama escénico español de la actualidad. 

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Objetiva recuperación de la Internacionalidad

 Durante varios años –casi una década- he criticado los altibajos organizativos y artísticos del Festival, cuya programación mermada por los recortes de la crisis económica y cierta desidia de los políticos culturales (sobre todo en los 4 años gobernados por el PP), habían alejado al evento de sus señas de identidad. Desde la edición 35 que empezaron los problemas, al haberse reducido a 10 espectáculos representativos de sólo 4 comunidades, borrando de la memoria su carácter internacional y su vínculo con la danza contemporánea, el Festival perdió sus objetivos de crecer e innovar, de lograr saltos cualitativos en la selección de espectáculos comprometidos con las nuevas tendencias y en metas concretas –organización de actos paralelos con un alto nivel de coherencia- sobre el papel que juegan los festivales trascendentes como lugar de encuentro y de diálogo. En estos 5 últimos años de decepción muchas de las actividades se fueron suprimiendo hasta convertir el Festival (llamado, desde que se rescató en 1992, Festival Internacional de Teatro y Danza Contemporáneo) en un acontecimiento menor, en una simple y estancada “Muestra de Teatro”.

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El próximo 21 de noviembre (2017) comienza en París, con normalidad, la vigésima sexta edición del Festival Don Quijote, que se prolongará hasta el 3 de diciembre, cuyo cartel introduce la imagen que mejor define el espíritu que impulsa y logra cada año una nueva edición: las aspas en movimiento de un molino. Digo esto porque en el año 2015 debió suspender la celebración de la edición número veinticuatro debido al terrible atentado en Bataclan, ocho días antes del comienzo y a apenas un kilómetro de distancia del Café de la Danse, sede oficial del Festival. Si bien, Luis Jiménez, su director artístico, lo que decidió fue posponer la edición para el próximo año, de manera que en el pasado año aunó las de 2015 y 2016. Tuvo una duración de casi dos meses, entre el 13 de octubre al 6 de diciembre de 2016, con diez espectáculos de teatro y uno de danza, donde estuvieron presentes las escenas española, chilena y argentina. Edición extensa y exitosa en la que, además, se celebraron los 25 años de existencia.

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Juego de cucharas

Nunca pensé que un utensilio tan simple, humilde y vulgar donde los haya pudiera dar tanto juego en una pieza de teatro. La cuchara, como objeto escénico, lo vi en un espectáculo del Festival Internacional de Expresión Ibérica en Oporto donde se pedía que el público tirara una cuchara a la escena como señal de deliberada intromisión.

“Meter la cuchara” significa entrometerse en un asunto para sacar provecho. No es el caso del espectáculo “Electra” que la compañía portuguesa Do Chapitô tiene en gira y que hemos podido presenciar con satisfacción unánime del público en el 32º Festival Iberoamericano de Teatro (FIT) de Cádiz. Y es que, la compañía lisboeta no juega a “meter la cuchara”, sino que la cuchara protagoniza el trabajo escénico que desborda creatividad e imaginación.

En “Electra”, creación colectiva dirigida por José Carlos García y Cláudia Novoa, se narra la historia del conocido personaje mitológico griego. Una cadena de muertes por asesinato, de venganzas, de odios y amores se sucede en el trágico relato cargado de comicidad.

Tras el “Edipo”, que aún sigue en gira, la compañía Do Chapitô se adentra de nuevo en la tragedia griega para recrear, si no los mitos, sí lo truculento de una épica que se remonta a los confines de la cultura clásica occidental. Atenas, el rey Agamenón, “liberar” a Helena de Paris, el sacrificio de Ifigenia hija del Rey, Clitemnestra –la madre y amante de Egisto primo del Rey- trama una venganza; Electra, la hija preferida del Rey, asesina a su madre con la ayuda de Orestes… O sea, una cadena de actos luctuosos para deshacer entuertos. Vaya, toda una compleja historia que en el trabajo de esta compañía se hace comprensible y, como sucede con otros montajes, tiene un final feliz para el espectador: reír y reír.

Lo peculiar de este espectáculo está en la utilización de un sinfín de cucharas metálicas como único elemento escénico. El comienzo de la obra se presenta con el suelo del escenario “sembrado” de cucharas. Los dos actores y la actriz inician su relato al tiempo que se desplazan por el espacio sin pisar ninguna cuchara. Los intérpretes llevan una cuchara cubriéndose la nariz, es la clásica máscara del teatro griego; sin duda, el objeto expresa la síntesis máxima de lo que –al igual que la nariz roja del payaso- significa un disfraz.

Pero en esta pieza, la cuchara o las cucharas se adaptan como utilería múltiple a la narración: máscara, agujas de tricotar, casco de guerra, cuchillo, vaso, pendientes para adornar las orejas, instrumento musical, antena de radio, espada, puñal, esponja, cepillo de dientes, copa de vino, gusanos, serpiente, antifaz, flor, cola de perro, hueso para el perro, dardo, cohete de fuegos artificiales, botella de champán…

¿Cómo puede ser que un objeto tan simple y común como una cuchara pueda simbolizar tantos objetos? La respuesta es muy sencilla. Los intérpretes realizan un extraordinario trabajo gestual.

La palabra cuenta la historia, pero la expresión corporal posee un lenguaje propio. Los movimientos, los desplazamientos, las acciones –a veces sin palabras- trazan un discurso coherente y perfectamente legible. La falta de viento para las naves, los avatares de la navegación y de la guerra, la simulación de los múltiples personajes –quizá no sea necesario recordar que solo son tres intérpretes- pudiera considerarse como una cuestión menor por su posible facilidad de representación. Sin embargo, la expresión corporal de Chapitô siempre ha estado y está en la categoría de genialidad.

En este sentido, solo quiero precisar dos escenas: el naufragio y el asesinato de Agamenón. En ambos casos, el actor simula estar dentro del agua con los movimientos espasmódicos de un ahogado seminconsciente; pero es que el asesinato se produce dentro de una bañera que no existe a la vista pero el público lo percibe como realidad. Clitemnestra y Egisto forcejean con Agamenón en una especie de danza trágica, agitada y hermosa; la escena, que se repite con la muerte de Clitemnestra, posee intensidad dramática, belleza estética y sentido rítmico, por sí misma tiene una categoría singular.

Aparte del excelente trabajo gestual, la compañía Do Chapitô detenta el don de la complicidad. Y es que, desde el primer momento de la representación los tres intérpretes se ganan al público no solo con la palabra de una narración casi coloquial, sino con la mirada, con una actitud cercana y cómica. No en vano, esta compañía tiene una formación específica y comparte su formación en la técnica del clown en su sede de Lisboa. En definitiva, tanto en “Edipo”, su anterior producción, como en “Electra”, Do Chapitô imparte una clase magistral.

Manuel Sesma Sanz

Espectáculo: Electra. Autor: Creación colectiva. Interpretación: Jorge Cruz, Nadia Santos y Tiago Viegas. Vestuario: Gloria Mendes. Texto en castellano: María Guerrero y César Arias. Dirección artística: José Carlos García u Cláudia Novoa. Compañía Do Chapitô de Portugal. En gira. 32º Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz.

 

Un fascinante 'Don Juan Tenorio'

 Curiosamente, "Don Juan Tenorio” de José Zorrilla, el drama religioso-fantástico sobre difuntos más representado y versionado del teatro español, que en algunos lugares se ha convertido en un acontecimiento popular, no se había escenificado nunca en este Festival que se celebra en fechas que coinciden con la noche de las ánimas. En Extremadura, sé de buena tinta que -en la década de los 60- fue el veterano actor Paolo de Atalaya quien lo puso en pie, protagonizando él mismo de forma ortodoxa y leal al controvertido personaje que por antonomasia representa al hombre seductor y mujeriego universal. Después, no recuerdo que haya habido más montajes.

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Bendita gloria para Albanta Teatro

Gloria acaba de perder a su padre. La angustia, desde siempre, se instala en su lamentable vida y los miedos encuentran una alternativa de permanencia en su alma. Lo habitual. Los días para ella transcurren sin representativas variaciones. Ha quedado al mando de Cien Rosas Blancas, la antigua casa familiar donde creció y que acaba de recibir en herencia, con la que no está dispuesta a negociar. La protagonista de esta tragicomedia salvaguardará su casa –de estilo modernista y la única que queda en la playa de esa época– e intentará reivindicar su alma, llena de culpas y de frustraciones, a todo costo. 

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Notas para un café

Es vertiginoso comenzar a escribir una crítica o el comentario sobre un espectáculo, sobre todo porque nunca sabe uno por donde empezar y más aún si estás cargado de emociones en el momento que arrancas a escribir. Esto me pasa siempre y hay un espacio que se llena de placer e incertidumbre, de deseos y de vértigo que hace que las sensaciones se mantengan latentes mientras escribo. Comienza el espectáculo con una explicación de los orígenes de la compañía, de las características de la sociedad chihuahuensen, los conidiconantes que impone la violencia que emana de los cárteles de la droga, determinando la situación económico-social y cómo la cultura y el teatro en particular, son una herramienta de liberación y de combate contra esta violencia. El espectador piensa que es un prólogo explicativo y, en realidad, nos introduce de lleno en la obra.

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El teatro en estado puro

 

Eva Perón y El homosexual o la dificultad de expresarse de Copi (Raul Damonte Botana, 1939 – 1987) conforman un díptico dirigido por Marcial di Fonzo Bo, que es el resultado de un proyecto internacional de colaboración entre tres teatros públicos: Teatro Cervantes de Buenos Aires, CDN – Comédie de Caen en Francia y Teatro Español de Madrid.

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Tríptico de la incomunicación

Afirmar que Arístides Vargas, argentino exiliado en Ecuador, es un poeta puede parecer una obviedad, sobre todo para quienes conocen su obra literaria y su trayectoria vital. Cada pieza teatral, cada párrafo de su escritura, cada frase que pronuncia uno y otros personajes poseen un significado, una metáfora, una ideología, un discurso que habla del exilio, de regímenes dictatoriales, de espacios de tortura, de memoria, de la identidad.

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